gonn1000

UM FIM E UM INÍCIO

2008-01-22T10:20:00.000Z

Os últimos dias não têm tido muito movimento por aqui, mas basta clicar na foto acima para perceber porquê. O blog mudou de casa, tem cara nova e estão todos convidados a passar por lá. Obrigado aos que estiveram por aqui ao longo destes cinco anos e até já.

OS MELHORES DE 2007: FILMES

2008-01-14T23:51:00.000Z

Com algum atraso, aqui fica a lista dos filmes estreados por cá em 2007 de que mais gostei. Vi menos do que nos últimos três anos, e por isso perdi obras que talvez merecessem estar aqui, como as mais recentes de Neil Jordan ("A Estranha em Mim"), Billy Ray ("Quebra de Confiança"), Robert Rodriguez ("Planeta Terror") ou Julian Schnabel ("O Escafandro e a Borboleta").

Fica também a ressalva de que a lista não inclui o melhor que vi no cinema, já que só foi exibido no Festival Queer Lisboa e nem sei se chegará às salas - refirou-me a "The Bubble", de Eytan Fox, que foi mesmo o meu preferido (pelo menos até rever "Pecados Íntimos" e "Mysterious Skin - Pele Misteriosa"). Se me esqueci de algum, estão à vontade para me alertar.

1 - "Pecados Íntimos" - pais & filhos
Não têm faltado filmes sobre o quotidiano dos subúrbios, mas isso é mais um motivo para tornar "Pecados Íntimos" numa obra tão peculiar, já que se destaca da maioria. Todd Field, na sua segunda - e melhor - longa-metragem, desenha aqui um brutal e realista retrato das relações humanas, comprovando que os adultos adoptam, por vezes, atitudes tão irreflectidas como as crianças. Abordando questões complexas como a infidelidade ou a pedofilia sem um grama de moralismo, o filme confirma - e de que maneira! - um dos novos realizadores norte-americanos a não perder de vista.

2 - "Mysterious Skin - Pele Misteriosa" - perseguidos pelo passado
Estreou com atraso, mas ainda veio a tempo de se tornar numa das experiências cinematográficas mais absorventes de 2007. Pungente prova de talento de Gregg Araki, um cineasta pouco divulgado por cá, é um dos mais sombrios e inquietantes retratos da juventude dos últimos tempos, debruçando-se sobre a solidão ou a homossexualidade com uma maturidade rara. Não menos relevante é o facto de possibilitar mais uma excelente interpretação ao jovem Joseph Gordon-Levitt, que voltou a convencer depois do também recomendável "Brick".

3 - "As Canções de Amor" - 3 amantes em Paris
"Minha Mãe" e "Em Paris" já tinham sugerido que Christophe Honoré é um dos mais entusiasmantes novos realizadores franceses, impressão que "As Canções de Amor" veio confirmar, ou não fosse o seu melhor filme a estrear em salas nacionais. Soberbo musical, nos antípodas dos que ainda vão chegando de Hollywood, contém também a melhor banda-sonora do ano, com canções interpretadas pelos próprios actores - que estão tão bem a cantar como a representar.

4 - "Half Nelson — Encurralados" - a escola da vida
Uma das mais consistentes surpresas indie do ano, "Half Nelson - Encurralados" é uma montra para um portentoso one man show de Ryan Gosling, actor que tem tudo para se tornar num dos maiores da sua geração. Mas não vale só por isso, já que esta primeira obra de Ryan Fleck tem as doses certas de melancolia e sobriedade, apresentando uma história pouco convencional sobre a amizade entre um professor à beira da depressão e uma aluna que se torna na sua âncora emocional.

5 - "As Vidas dos Outros" - pecados íntimos
O novo cinema alemão tem gerado algumas pérolas nos últimos anos, e "As Vidas dos Outros" é uma das mais fortes a adicionar à lista. Abordando território pantanoso, uma vez que a acção decorre pouco tempo antes da queda do muro de Berlim, Florian Henckel von Donnersmarck evita, contudo, qualquer postura panfletária, já que as suas personagens são figuras tridimensionais e não meras cabeças falantes, conjugando-se com a realização e as óptimas interpretações - em particular a de Ulrich Mühe, que viria a falecer poucos meses depois da estreia. Um justo vencedor do Óscar para Melhor Filme em Língua Não-Inglesa.

6 - "Homem-Aranha 3" - o desafio final (por enquanto...)
E à terceira, Sam Raimi desiludiu muitos... mas não se percebe muito bem porquê, pois se "Homem-Aranha 3" está um pouco abaixo dos antecessores, não tem a culpa que estes tenham exibido um nível qualitativo raríssimo em blockbusters. Mesmo sem o efeito novidade - tirando a exploração do lado negro de Pater Parker, que poderia ter sido mais aprofundada -, este é ainda o mais cativante filme-pipoca de 2007, que nunca deixa de respeitar as suas personagens e encerra bem a melhor trilogia de sempre um super-herói no grande ecrã.

7 - "The Fountain — O Último Capítulo" - até que a morte os separe
A mais recente obra de Darren Aronofsky teve a árdua tarefa de suceder a um dos filmes essenciais dos anos 00, "A Vida não é um Sonho", e se não está no mesmo patamar pelo menos demonstra que o seu autor é um dos mais estimulantes em actividade. História de amor larger than life, vincada por um romantismo atípico, esta experiência sensorial oferece algumas das mais belas sequências do ano com interpretações à altura por parte do par protagonista - os dedicadíssimos Hugh Jackman e Rachel Weisz - e uma bela banda-sonora - mais uma - de Clint Mansell.

8 - "No Mundo das Mulheres" - o vizinho acidental
Tinha tudo para ser mais uma comediazinha romântica de sábado à tarde - romance adolescente, Meg Ryan, um actor da série "The O.C. - Na Terra dos Ricos" -, mas esta estreia de Jake Kasdan na realização vai surpreendendo aos poucos, à medida que desconstrói lugares-comuns e apresenta uma das mais refrescantes e despretensiosas misturas de drama e comédia do ano. Se as aparências por vezes iludem, este é seguramente um desses casos - e no bom sentido.

9 - "À Prova de Morte" - mulheres danadas
Devaneio inspirado e imprevisível, o mais recente filme de Quentin Tarantino aumenta a carga pastiche mas nunca deixa de denunciar o universo peculiar do seu realizador, e para não fugir à regra é mais um concentrado de diálogos e sequências de antologia. Houve quem não gostasse da brincadeira, e não será dos títulos máximos do cineasta, mas é difícil resistir-lhe quando, no meio do aparente caos e arbitrariedade, tudo está tão bem estruturado. Um objecto lúdico a revisitar e reavaliar.

10 - "Shortbus" - o sexo e a cidade
Depois do desequilibrado "Hedwig - A Origem do Amor", John Cameron Mitchell regressa com uma obra mais consistente e novamente alicerçada numa bizarra (ou nem tanto) galeria de outcasts. Tragicómica visão das relações humanas, onde o sexo surge como elemento-chave, "Shortbus" poderá cair em algumas armadilhas de "filmes-choque" mas é suficientemente genuíno e corajoso para as ultrapassar, e deixa curiosidade em relação aos próximos passos de um realizador promissor.

Os 10 seguintes:

"A Rapariga Morta", de Karen Moncrieff
"Eles", de David Moreau e Xavier Palud
"Geração Fast Food", de Richard Linklater
"Alpha Dog", de Nick Cassavetes
"Promessas Perigosas", de David Cronenberg
"Eu Sou a Lenda", de Francis Lawrence
"Os Simpsons - O Filme", de David Silverman
"Zodiac", de David Fincher
"Assalto e Intromissão", de Antony Minghella
"Sunshine — Missão Solar", de Danny Boyle

Melhor filme português: "A Outra Margem", de Luís Filipe Rocha

Melhor actor: Ryan Gosling ("Half Nelson — Encurralados")

Melhor actriz: Kate Winslet ("Pecados Íntimos")

Melhor(es) realizador(es): Darren Aronofsky e Gregg Araki

BLINKS E LINKS

2008-01-14T22:17:00.001Z

Obrigado aos responsáveis pelos blogs A Trompa, Sound + Vision e The Good Life por me blinkarem :)

EMIGRAÇÃO PORTUGUESA NO GRANDE ECRÃ

2008-01-05T11:37:00.000Z

O ciclo "Emigração Portuguesa" arranca hoje e mantém-se até dia 8 no cinema S. Jorge, em Lisboa. A iniciativa, de entrada gratuita, é composta por filmes maioritariamente portugueses e documentais, sendo alguns apresentados pelos realizadores e comentados por especialistas.

Uma boa oportunidade para (re)ver títulos como "Ganhar a Vida", de João Canijo (dia 6 às 22h), "Esta é a Minha Casa" e "Viagem à Expo", de João Pedro Rodrigues (dias 8 às 17h30), ou "Mudar de Vida", de Paulo Rocha (dia 8 às 22h), entre outros. Programação completa aqui.

10 BLOGUES, 5 FILMES, 1 REALIZADOR

2008-01-03T01:22:00.000Z

Aqui fica a última tabela relativa a estreias de 2007, neste caso a algumas de Dezembro. Desta vez não houve realizador do mês, já que o Knoxville sugeriu que cada blogger escolhesse o seu filme do ano. Escolhi "Pecados Íntimos" (Little Children), de Todd Field, mas também podia ter sido "Mysterious Skin - Pele Misteriosa", de Gregg Araki.

FELIZ ANO NOVO :)

2007-12-31T17:02:00.000Z

Mais um ano a terminar, e ainda não foi neste que consegui colocar a lista de melhores filmes a tempo... mas prometo que não tarda. Entretanto, outros episódios marcantes de 2007 podem ser revisitados aqui.
E enquanto se aguarda a chegada de 2008, proponho que a festa vá começando ao som de canções como esta:

The Dandy Warhols - "Everyday Should be a Holiday"

OS MELHORES DE 2007: DISCOS

2007-12-29T23:20:00.000Z

Entre a new rave, o techno minimal, o regresso do french touch, algum dubstep, novos nomes do shoegaze, rock q.b. e três ou quatro singers-songwriters, deixo 2007 com memórias de muitos bons discos mas poucos que de facto me arrebataram.
Como é habitual, houve várias boas surpresas (NYPC, Maps), algumas desilusões (NIN, Smashing Pumpkins), outras tantas confirmações (The Go! Team, Bloc Party) e uma série de canções de excepção, e mesmo que os álbuns tenham sido menos brilhantes acho que pelo menos os 30 que enumero abaixo valem a pena (e a maior parte dos que ouvi está aqui):

1 - "Les Chansons d'Amour", Alex Beaupain
Nem sempre um dos melhores filmes do ano tem banda-sonora à altura, mas em "Les Chansons d'Amour" isso acontece. Partindo de composições de Alex Beaupain, os actores do filme dão voz a relatos de melancolia em canções simples mas exemplares como "Les Yeux au Ciel", "Ma Mémorie Sale" ou "La Bastille". Louis Garrel sai-se particularmente bem, embora todos mereçam elogios por um belo disco que se destaca - e de que maneira - como objecto que vale por si.

2 - "Fantastic Playroom", New Young Pony Club
Quando a maioria das bandas que recolhe influências do pós-punk apenas insiste em fórmulas gastas, a estreia dos NYPC prova que ainda há quem consiga gerar um álbum refrescante e enérgico do princípio ao fim. Basta ouvir "The Bomb", "Hiding on the Staircase" ou "Ice Cream" para tirar as dúvidas.

3 - "We Are the Night", The Chemical Brothers
Com o seu álbum mais consistente desde "Surrender", Tom Rowlands e Ed Simons provam que ainda são os reis das pistas de dança. Novamente concentrando várias colaborações, dos Midlake a Willy Mason, passando pelos Klaxons (que em "All Rights Reserved" têm a sua melhor canção), "We Are the Night" é um belo espelho da electrónica - facção dançável - que se fez em 2007.

4 - "Fur and Gold", Bat For Lashes
Lembra Feist, Tori Amos, Björk ou Cat Power, mas consegue diferenciar-se destas. Num dos mais sedutores e intrigantes discos do ano, a britânica Natasha Khan inaugura uma carreira promissora que deixa já admiráveis provas de talento e sensibilidade em canções como "Bat's Mout", "Prescilla" ou "What's a Girl to Do?".

5 - "Chromophobia", Gui Boratto
Uma das revelações recentes da editora alemã Kompakt, o brasileiro Gui Boratto oferece no seu primeiro álbum novas cores e camadas ao techno minimal, conjugando apelo dançável e momentos contemplativos. Seja em episódios luminosos como "Scene 1", mais sombrios como "The Blessing" ou no hino "Beautiful Life", "Chromophobia" é quase sempre um disco viciante, para ir (re)descobrindo aos poucos.

6 - "We Can Create", Maps
Num ano em que vários projectos revisitaram o shoegaze - Asobi Seksu, Film School, Relay -, o de James Chapman foi talvez o mais convincente. Inspirado testemunho de pop atmosférica, "We Can Create" é sempre cativante e por vezes irresistível, e não foram muitos os discos com pérolas do calibre de "Elouise", "Back and Forth" ou "You Don't Know Her Name".

7 - "The Bird of Music", Au Revoir Simone
A banda preferida de David Lynch apresenta no seu segundo álbum um conjunto de canções que não destoaria num filme de Sofia Coppola: etéreas, serenas e de considerável carga onírica, as suas experiências pop são algumas das mais bonitas e reluzentes que se ouviram em 2007.

8 - "Saltbreakers", Laura Veirs
Baseando-se em reflexões em torno do sal e da água, Laura Veirs narra no seu sexto álbum uma série de histórias condimentadas por um equilibrado cruzamento de folk, alternative country e indie rock. Da trepidante "Phantom Mountain" à melancólica "Don't Lose Yourself", "Saltbreakers" é mais uma obra recomendável de uma singer-songwriter que merece mais atenção.

9 - "This Bliss", Pantha du Prince
No seu segundo álbum, o alemão Hendrik Weber desenha algumas das mais fascinantes paisagens alicerçadas no techno minimal, em composições milimetricamente trabalhadas que por vezes originam autênticos oásis sonoros como o belíssimo "Saturn Strobe" ou o hipnótico "Florac". Mais um caso que ajuda a explicar porque é que a electrónica viveu um bom ano.

10 - "Happy Birthday!", Modeselektor
Conjugação improvável de hip-hop, electro, techno, dub e grime, o mais recente registo da dupla alemã Gernot Bronsert e Sebastian Szary alia excentricidade, sentido de humor e experimentalismo numa das propostas mais inventivas do ano. Canções como "Let Your Love Grow", "The White Flash" (com Thom Yorke) ou "Godspeed" fazem deste um disco a ter por perto para várias audições.

11 - "The Magic Position", Patrick Wolf
12 - "White Chalk", PJ Harvey
13 - "The One", Shinichi Osawa
14 - "Citrus", Asobi Seksu
15 - "A Weekend in the City", Bloc Party
16 - "Proof of Youth", The Go! Team
17 - "23", Blonde Redhead
18 - "Lucky Boy", DJ Mehdi
19 - "No Shouts No Calls", Electrelane
20 - "Stateless", Stateless
21 - "Idealism", Digitalism
22 - "Hideout", Film School
23 - "The Con", Tegan and Sara
24 - "Our Love to Admire", Interpol
25 - "An End Has a Start", Editors
26 - "Untrue", Burial
27 - "Walls", Apparat
28 - "Learn to Sing Like a Star", Kristin Hersh
29 - "V Live", Vitalic
30 - "LP 1", Plasticines

5 Discos Portugueses:

1 - "0dd Size Baggage", Micro Audio Waves
2 - "Console Pupils", U-Clic
3 - "Cintura", Clã
4 - "Adriano Aqui e Agora - O Tributo", Vários
5 - "Dreams in Colour", David Fonseca

Outras distinções:

- Barrete do ano: Battles
- Tanto barulho por (quase) nada: Radiohead - grande campanha de marketing para um disco mediano
- Ainda estão aí para as curvas: Chemical Brothers
- Que venham para ficar: New Young Pony Club
- Mais do mesmo, mas desta passa: Interpol
- Mais do mesmo, e já chateia: Manic Street Preachers
- "Apedrejamento" mais injusto: Bloc Party

- Melhor compilação: "Kitsuné - Boombox"

FOTOGRAMAS DE 2007 (X)

2007-12-29T12:36:00.000Z

"No Mundo das Mulheres", de Jake Kasdan

OS MELHORES DE 2007: CANÇÕES

2007-12-28T19:37:00.000Z

Foi difícil, mas lá consegui escolher as minhas 30 canções preferidas de 2007, e como seria ainda mais árduo apresentá-las por ordem de preferência optei por não o fazer. De qualquer forma, ponho as mãos (ou os ouvidos) no fogo por qualquer uma destas:

LCD Soundsystem - "Someone Great"
The Chemical Brothers - "Burst Generator"
New Young Pony Club - "Hiding on the Staircase"
Simian Mobile Disco - "Sleep Deprivation"
Digitalism - "Pogo"
Au Revoir Simone - "The Way to There"
Laura Veirs - "Don't Lose Yourself"
Bat For Lashes - "Priscilla"
The Go! Team - "Grip Like a Vice"
Film School - "Compare"
Stateless - "The Language"
Pantha Du Prince - "Florac"
Pantha Du Prince - "Saturn Strobe"
Alex Beaupain /Vários - "La Bastille"
David Fonseca - "This Raging Light"
Micro Audio Waves - "Odd Size Baggage"
Supermayer - "Please Sunshine"
Metric - "Soft Rock Star"
Riot in Belgium - "La Musique"
Maps - "You Don't Know Her Name"
Editors - "An End Has a Start"
Interpol - "Rest My Chemistry"
Feist - "My Moon My Man" (assim como a remistura de Boys Noize)
Blonde Redhead - "Spring and by Summer Fall"
The Honeydrips - "Fall From a Height"
Underworld - "Glam Bucket"
Modeselektor - "Godspeed"
Modeselektor feat. Thom Yorke - "The White Flash"
Freescha - "Moving"
Shinichi Osawa - "Last Days"

Aceitam-se sugestões ou reclamações :)

FOTOGRAMAS DE 2007 (IX)

2007-12-28T18:24:00.000Z

"As Vidas dos Outros", de Florian Henckel von Donnersmarck

OS MELHORES DE 2007: CONCERTOS

2007-12-27T15:39:00.000Z

Num ano que pareceu querer bater os recordes de concertos por dia, os palcos portugueses acolheram muitos repetentes e estreantes - Nine Inch Nails, Interpol ou Beastie Boys, entre muitos outros -, sintoma da oferta massiva tanto em festivais como em espectáculos isolados.
Apesar de ainda ter ido a alguns festivais, com destaque para o meu primeiro Paredes de Coura, lamento ter perdido o Super Bock Super Rock, que contou com um dos melhores cartazes do ano. Mesmo assim, não me posso queixar já que vi alguns concertos de que gostei muito, o que já não ocorreu tanto em relação aos discos - mas a esses já lá vamos daqui a uns dias.

Abaixo deixo a lista dos 10 melhores, sem ordem de preferência porque os 6 primeiros estão empatados:

- The Chemical Brothers no Dance Station
- Bloc Party no Coliseu de Lisboa
- Nine Inch Nails no Coliseu de Lisboa
- Soulwax no Creamfields
- The Go! Team no Alive!
- Interpol no Coliseu de Lisboa
- Micro Audio Waves no MusicBox
- Cansei de Ser Sexy no Lux
- Patrick Wolf no Lux
- Clã na Aula Magna

Destaque, também, para os Beastie Boys e Rakes no Alive!, New Young Pony Club em Paredes de Coura ou Massive Attack no Coliseu de Lisboa. Para as semi-desilusões entram os Placebo no Creamfields e os Smashing Pumpkins no Alive!, e dos mais fraquinhos que vi lembro-me dos Babyshambles, Dinosaur Jr ou New York Dolls, todos em Paredes de Coura.

E por aí, que concertos de 2007 merecem ser destacados?

FOTOGRAMAS DE 2007 (VIII)

2007-12-26T15:02:00.000Z

"À Prova de Morte", de Quentin Tarantino

BOM NATAL :)

2007-12-24T15:45:00.000Z

FOTOGRAMAS DE 2007 (VII)

2007-12-24T14:17:00.000Z

"Homem-Aranha 3", de Sam Raimi

VIAGEM SONORA À NOITE LONDRINA

2007-12-23T15:34:00.000Z

No ano passado, tornou-se numa das figuras de proa da música de dança ao gerar um dos discos de estreia mais aplaudidos do underground londrino, e agora desencadeia reacções igualmente entusiasmadas com o registo sucessor, "Untrue". Burial, cuja identidade permanece uma incógnita, volta a dar motivos para que haja esperança para o dubstep, subgénero que congrega reminiscências do 2step, dub e beats hip-hop, entre outros condimentos, e que tem despertado atenções em torno de nomes como Boxcutter, Skream ou Kode9.

Se no álbum anterior Burial se distinguiu destes ao apresentar traços de personalidade bem vincados, o seu sucessor reforça-os ao conceder protagonismo a vozes que complementam as complexas texturas instrumentais pelas quais o músico já se havia notabilizado. Estas vocalizações, de travo soul on acid, por vezes quase alienígenas, aumentam a estranheza das composições e tornam-nas numa apropriada banda-sonora para viagens nocturnas em ambientes urbanos, traduzindo uma aura por vezes sinuosa, ocasionalmente claustrofóbica e sempre sombria.

"Untrue" talvez não seja a pedrada no charco que muitos aqui identificam, uma vez que o que contém já foi percorrido por outros - notam-se aqui atmosferas negras próximas do trip-hop de Tricky, uma ousadia rítmica que remete para Goldie ou os primeiros passos de DJ Shadow e um espectro onírico herdeiro dos experimentalismos dos Future Sound of London.

Admita-se, no entanto, que apesar desses paralelismos Burial consegue ainda um som único, capaz de gerar episódios absorventes e inquietantes como o R&B bizarro e espacial de "Archangel", o apropriadamente intitulado "Homeless", que transpõe para a música o isolamento e solidão das grandes metrópoles, o contemplativo mas dançável "Raver", que incorpora elementos do techno minimal, ou os fantasmagóricos "Etched Headplate" e "Near Dark", este último com uma voz que repete "I can't take my eyes of you" e deixa dúvidas sobre se esta é uma canção de amor ou de obsessão.
"In McDonalds", de tom nostálgico, quase podia ser do primeiro álbum dos Bent, já "Endorphin" percorre territórios algo duvidosos quando as vozes parecem saídas de um projecto new age na linha de uns Deep Forest.

Tal como o seu autor, "Untrue" é um disco misterioso, para ir descobrindo aos poucos, conseguindo prender a atenção durante várias audições à medida que se vão descortinando novos pormenores, seja no barulho da chuva no início de uma canção, nos pequenos estalos de vinyl ou em qualquer outro efeito que parecia submerso nas intrincadas texturas mas que acaba por se evidenciar. Se é um grande álbum só o tempo o dirá, mas por enquanto vai-se revelando viciante q.b..

E O VEREDICTO É: 3/5 - BOM

Burial - "Ghost Hardware"

FOTOGRAMAS DE 2007 (VI)

2007-12-20T23:49:00.000Z

"O Último Capítulo", de Darren Aronofsky

IT'S THE BEAT!

2007-12-19T22:56:00.000Z

Autores de "Attack Decay Sustain Release", álbum que contém algumas das mais infecciosas canções dos últimos tempos - como "Sleep Deprivation" ou "Hustler" -, os Simian Mobile Disco foram uma das curiosas surpresas musicais do ano. Eu e o Pedro Neves falámos há uns tempos com James "Jas" Shaw, metade do duo britânico, e parte da conversa pode ser vista no vídeo aqui em baixo:

FOTOGRAMAS DE 2007 (V)

2007-12-17T22:31:00.000Z

"As Canções de Amor", de Christophe Honoré

OS MENINOS DANÇAM

2007-12-15T19:25:00.000Z

Recentemente, a música de dança tem ganho alguns nomes que recuperam uma pujança e energia comparáveis às de outros que a catapultaram para o mainstream em meados da década de 90.
Projectos como os Justice, Digitalism, MSTRKRFT ou Simian Mobile Disco, entre outros, injectam hoje nas pistas uma visceralidade não muito distante da praticada por uns Prodigy, Chemical Brothers ou Daft Punk na década passada. Estes últimos são especialmente reconhecidos como uma das maiores influências de novos artistas em ascensão, e as fusões electro, rock, house e por vezes disco que os seus sucessores demonstram não deixam muitas dúvidas desse legado.

É o caso do alemão Alex Ridha, mais conhecido como Boys Noize, que no seu álbum de estreia, "Oi Oi Oi" se afirma como mais um nome confirmar a tendência.

As suas remisturas para gente como os Bloc Party, Kaiser Chiefs ou Depeche Mode já haviam demonstrado a sua precisão na gestão de ritmos infecciosos e abrasivos, e o disco segue essa linha através de batidas cruas, sintetizadores distorcidos, vocoders ruidosos e melodias ácidas.

Directo e intenso, "Oi Oi Oi" é um prodígio de eficácia nas pistas de dança, obrigando ao movimento dos músculos e susceptível de levar à euforia generalizada.
Temas como "& Down", que abre o disco de forma certeira, "Arcade Robot", com hipnóticas ondulações circulares, ou o contagiante e muito catchy "Oh!" justificam atenção, funcionando enquanto portentos de energia cinética e composições imaginativas. "Shine Shine" é um interessante misto de vozes robóticas e atmosferas um pouco mais apaziguadas e "Don't Believe the Hype" propõe uma absorvente viagem por camadas electro, e ainda que nada disto seja especialmente inovador prova que Boys Noize é um nome a reter.

Mesmo assim, embora todo o alinhamento seja inegavelmente funcional numa pista de dança, nem tudo resulta bem noutros contextos, e em audições caseiras "Oi Oi Oi" pode cansar pela repetição de ideias em algumas canções, que denunciam o escasso electismo do alinhamento. "The Battery" ou "Wu-Tang (Battery Pt.2)" são disso exemplo, queimando muita energia sem sairem da previsibilidade, lembrando os momentos mais fracos de "Human After All", o último de originais dos Daft Punk, registo que no geral "Oi Oi Oi" consegue superar.

Não sendo um disco de eleição, a estreia de Boys Noize cumpre e impõe-se como um sólido party album, ainda que obscuro q.b., e é especialmente recomendável na edição britânica, que inclui como tema bónus a estupenda remistura para "My Moon My Man", de Feist, que não só esmaga qualquer outro momento como é uma das melhores que se ouviu em 2007.

E O VEREDICTO É: 3/5 - BOM

Boys Noize - "&Down"

FOTOGRAMAS DE 2007 (IV)

2007-12-14T00:47:00.000Z

"Mysterious Skin", de Gregg Araki

BLINKS & LINKS

2007-12-14T00:11:00.000Z

Obrigado aos responsáveis pelos blogs A Cinematic Vision, Cantinho das Artes, Cine Highlife, clk stuff, Expressões Digitais, High Fidelity, Kliinn, Laisse Faire, Nerd Cult e Brega, O Homem que Sabia Demasiado, Royal Cafe, Torpedo Verbal, TSi - Tristeza Sob investigação e um toque d'Asa por me blinkarem :)

ESTREIA DA SEMANA: "A HISTÓRIA DE UMA ABELHA"

2007-12-13T10:30:00.000Z

Numa semana de poucas e não muito estimulantes estreias, o destaque possível vai todo para "A História de uma Abelha" (Bee Movie), o aguardado filme de animação que tem a particularidade de contar com Jerry Seinfeld na voz do protagonista. A premissa parte de uma abelha que não só se recusa a aceitar as regras que lhe são impostas para o seu modo de vida, como ainda trava amizade com uma florista e acaba por gerar uma guerra contra os humanos quando os processa por roubarem mel.
Em tempo de fracas comédias, talvez valha a pena espreitar esta.

Outras estreias:

"Amor e Outros Desastres", de Alek Keshishian
"O Irmão do Pai Natal", de David Dobkin
"O Sonho Comanda a Vida", de Jake Paltrow

Trailer de "A História de Uma Abelha"

FOTOGRAMAS DE 2007 (III)

2007-12-12T22:51:00.000Z

"The Bubble", de Eytan Fox

CRIME E CASTIGO

2007-12-12T00:33:00.000Z

Gus Vant Sant é uma das vozes mais respeitadas e singulares do cinema independente norte-americano, com uma filmografia que ultrapassou já as duas décadas e que inclui títulos tão aclamados como "O Cowboy da Droga" ou "My Own Private Idaho", da fase incial do seu percurso, "Descobrir Forrester" ou "O Bom Rebelde", onde se aproximou do mainstream, ou "Elephant", que após estes voltou a colocá-lo na lista dos cineastas mais inovadores do momento.

Esta originalidade e idiossincrasia nem sempre gerou, contudo, resultados interessantes, como os áridos e pretensiosos "Gerry" ou "Last Days - Últimos Dias" infelizmente confirmaram, e o mais recente "Paranoid Park", embora seja mais estimulante do que esses dois exemplos, aproxima-se mais da mediania do que de um memorável rasgo de génio.

O facto do filme ter sido nomeado para a Palma de Ouro na última edição de Cannes e de ter ganho o prémio do 60º Aniversário do mesmo festival confirma que o realizador continua com boa reputação junto de grande parte da crítica, e se é injusto não reconhecer alguns méritos nesta nova proposta também é verdade que esta pouco acrescenta ao universo temático de Van Sant.

Mais uma vez, há aqui uma abordagem à adolescência, à solidão e ao crescimento, neste caso através do retrato do quotidiano de um skater de 16 anos de Portland, à superfície um jovem igual a tantos outros mas que no seu íntimo se debate com as consequências de um inquietante segredo.
Quando a polícia vai à sua escola para o interrogar acerca de uma morte, o protagonista volta a confrontar-se com as memórias de uma noite em que se encontrou com outros adolescentes no Paranoid Park, local de culto para skaters, e de onde saiu para se envolver numa série de episódios que o filme vai revelando aos poucos.

Com uma narrativa não linear, que se desdobra pelas recordações da personagem principal e recusa a sucessão cronológica dos acontecimentos, "Paranoid Park" mergulha nas ansiedades e descobertas da adolescência, assim como na forma como um jovem lida com sentimentos de culpa e se debate com indecisões morais.

Van Sant investe aqui num realismo poético próximo do que dominou os seus três trabalhos anteriores - "Gerry", "Elephant" e "Last Days - Os Últimos Dias", a trilogia da morte -, tornando o filme numa experiência sensorial para a qual contribui a realização que entrecruzada cenas de skaters filmadas em 8MM com as restantes, em 35, quase a fazer a ponte com o docudrama.
Não menos determinante é a fotografia de Christopher Doyle, colaborador habitual de Wong Kar Wai - que aqui adapta a sua estética à de Van Sant, prescindindo da energia cinética a favor da sobriedade cenográfica -, ou a presença da diversificada banda-sonora - Elliott Smith, em particular, volta a resultar muito bem num filme do realizador, reforçando o tom melancólico tal como em "O Bom Rebelde".

O elenco, maioritariamente constituído por actores amadores seleccionados a partir do MySpace, exibe a espontaneidade necessária para que as situações sejam credíveis, e o protagonista, Gabe Nevins, tem precisamente o olhar entre o lacónico e o alienado que o papel requer.

E no entanto, apesar destes elementos meritórios, "Paranoid Park" não chega a ser uma obra que conquiste por completo, já que a narrativa não consegue afastar a monotonia que se instala ao fim de poucos minutos, sobretudo porque Van Sant volta a cair num excesso de cenas contemplativas que tentam compensar a intensidade que as personagens não têm.

É certo que se recusam estereótipos adolescentes veiculados por muitos filmes americanos, mas quem já viu títulos anteriores do realizador tem pouco a descobrir aqui. Os corredores de um liceu já foram percorridos e filmados desta forma, assim como a falta de comunicação e o desconforto urbano já foram abordados com este minimalismo estético e narrativo.

Esta história talvez resultasse melhor numa média metragem, que não precisaria tanto de insuflar a acção com sequências inconsequentes e circulares, uma vez que hora e meia é muito para o pouco que há para contar.
Sem grande pulsão dramática, acaba por resultar num filme demasiado clínico e distante, de duvidoso impacto emocional, onde alguns bons condimentos não são estruturados de forma a que o todo funcione.

Não chegando a ser constrangedor como o seu antecessor, "Last Days - Os Últimos Dias", "Paranoid Park" também não deixa de ser uma semi-desilusão, raramente saindo da competência que poderia ter sido atingida por um esforçado imitador ou colega de Van Sant. Uma proposta a considerar, ainda assim, mas quem quiser encontrar o realizador num trabalho à altura do seu estatuto fará melhor em (re)ver "Elephant".

E O VEREDICTO É: 2,5/5 - RAZOÁVEL

FOTOGRAMAS DE 2007 (II)

2007-12-09T19:10:00.000Z

"Pecados Íntimos", de Todd Field

ENTRE A POP E O ROCK COM MUITO JOGO DE CINTURA

2007-12-07T23:42:00.000Z

Nos últimos meses, os Clã têm andado pelo país na digressão de promoção de "Cintura", o seu quinto disco de originais, mas foi no concerto de ontem na Aula Magna, em Lisboa, que a banda terá tido a maior prova de fogo até agora.
Com um maior número de espectadores do que nos espaços por onde tem passado e com um cuidado cénico adaptado às especificidades da sala, o espectáculo colocou a banda frente a um auditório quase repleto, ao qual apresentou o novo disco na íntegra pela primeira vez.

O ambiente foi quase sempre féerico e dinâmico logo desde os primeiros minutos, com três temas inaugurais retirados de "Cintura". "Vamos Esta Noite", que também é o tema inicial do álbum, lançou o mote, e juntamente com "Mandarim" e o single "Tira a Teima" promoveu um arranque suficientemente convidativo.

Foi, contudo, com o mais velhinho, mas ainda muitíssimo contagiante "GTI" que a noite registou o primeiro grande momento de êxtase generalizado, apresentando a canção com roupagens mais eléctricas.

"O Meu Estilo", outro tema de "Kazoo", foi ainda mais pujante, uma explosão de energia visceral devidamente canalizada pela atitude de Manuela Azevedo, a quem o epíteto "animal de palco" assentou aqui especialmente bem. O facto da canção ser menos mediática do que a anterior terá explicado o facto do público não ter reflectido muito a vibração da vocalista, embora não tenha impedido que este se inclua entre os grandes episódios do concerto.

Versátil mas coerente, o alinhamento mostrou as várias facetas da música dos Clã, desde estes acessos de dinamismo rocker até atmosferas nos seus antípodas, como numa versão minimalista de "Sopro do Coração", reduzida a voz e guitarra acústica (para muitos o momento de eleição do espectáculo) ou na igualmente discreta "Sexto Andar", um dos melhores temas do algo desequilibrado "Cintura", que "por pouco ficava de fora do álbum", como explicou Manuela, o que seria uma pena já que é uma bela reflexão de três minutos sobre a magia das canções.

Além de concentrados de aspereza e sensibilidade, houve ainda espaço para temas irreverentes e espevitados como "Carrossel dos Esquisitos" ou "Topo de Gama", este último com direito um (óptimo) final mais musculado e caótico do que a versão apresentada em "Rosa Carne".

Canções obrigatórias como "Problema de Expressão", "Dançar na Corda Bamba" ou "H2omem" (devidamente acompanhada pela conhecida coreografia, partilhada pela vocalista e público) conviveram sem problemas com as mais recentes, ainda que nem todos os momentos de "Cintura" convençam tanto como muitos dos mais antigos.

Ao vivo, contudo, essa relativa disparidade foi um pormenor quase irrelevante, uma vez que quer a singularidade cénica - com luzes de várias cores projectadas num painel de metais no fundo do palco, complementadas pela simplicidade de um barco e aviões de papel junto dos músicos - quer o empenho da banda mantiveram um ritmo quase sempre entusiasmante, ou pelo menos seguro.

Manuela Azevedo, além de cantar com a voz que já nada tem a provar, fez questão de se manter irriquieta, saltitando, dançando e pulando sem nunca se desequilibrar, não caindo nas armadilhas dos seus finos saltos altos.

Para o final de duas horas com mais de duas dezenas de canções e dois encores, a banda guardou "Amigos de Quem", a estupenda canção que conta com os créditos de Manuel Cruz (não por acaso, soa a um rebento rebelde dos Clã com os Ornatos Violeta) e um tema inédito, nunca gravado mas que funciona impecavelmente ao vivo, num cruzamento acelerado de guitarras em ebulição e voz gutural.

Quem quiser comprovar os méritos de uma banda em forma ainda vai a tempo de apanhar os concertos agendados para o Casino da Figueira da Foz, no próximo dia 8, ou para a Casa da Música, no Porto, dia 12.

Fotos: Vera Moutinho

E O VEREDICTO É: 3,5/5 - BOM

Entrevista a Manuela Azevedo e Hélder Gonçalves

ESTREIA DA SEMANA: "PEÕES EM JOGO"

2007-12-06T12:07:00.000Z

Tom Cruise, Meryl Streep e Robert Redford são os protagonistas do novo filme realizado por este último, "Peões em Jogo" (Lions for Lambs). O elenco é promissor, e aliado à temática - os EUA actuais, com particular ênfase na abordagem à política, media, educação e guerra - parece torná-lo numa das obra com potencial. A conferir a partir de hoje.

Outras estreias:

"12:08 A Este de Bucareste", de Corneliu Porumboiu
"A Bússola Dourada", de Chris Weitz
"Corações Solitários", de Todd Robinson
"Elas Não Me Largam", de Mark Helfrich

Trailer de "Peões em Jogo"

FUNDO DE CATÁLOGO (7): THE BELOVED

2007-12-05T23:01:00.000Z

Corria o ano de 1993 quando os britânicos The Beloved editaram o seu segundo álbum, "Conscience". A banda, hoje praticamente esquecida, ao contrário de artistas contemporâneos comparáveis como os New Order ou os Pet Shop Boys, deixou contudo um single que ainda não perdeu a frescura que exibiu na altura. "Sweet Harmony", viciante hino synth pop etéreo, continua uma bela canção com potencial para fazer aumentar a taxa de natalidade, e o videoclip ainda acentua mais essa vertente:

The Beloved - "Sweet Harmony"

Recordações anteriores

FOTOGRAMAS DE 2007 (I)

2007-12-05T21:52:00.000Z

"Half Nelson - Encurralados", de Ryan Fleck

INDIE DAYS (REPRISE)

2007-12-03T11:40:00.000Z

A imagem acima pertence a "Analog Days", o belo filme de estreia do norte-americano Mike Ott e uma das melhores surpresas da última edição do IndieLisboa. Este e outros títulos presentes no festival serão reexibidos durante esta semana na Reitoria da Universidade de Lisboa, pelas 18 horas, e a entrada é gratuita. O programa pode ser visto aqui.

AONDE É QUE PÁRA A POLÍCIA?

2007-12-02T22:49:00.000Z

"Hot Fuzz - Esquadrão de Província" chega a Portugal após uma boa recepção crítica internacional e múltiplas provas de entusiasmo demonstradas por admiradores na Internet, cimentando o estatuto de culto que Edgar Wright já tinha suscitado na série televisiva "Spaced" ou no seu primeiro filme, "Zombies Party - Uma Noite... de Morte" (Shaun of the Dead).

Se nesse trabalho antecessor o realizador britânico satirizou os filmes de zombies, agora vira-se para os de acção, guiando-se pelos mecanismos presentes em muitos blockbusters mas inserindo-os num contexto algo inesperado, uma (aparentemente) pacata aldeia inglesa.
O cruzamento dos códigos dos buddie movies com as idiossicrasias das pequenas povoações da Inglaterra profunda (exploradas em muitas britcoms) é uma boa base para o desenvolvimento de uma comédia original e arrojada, e embora "Hot Fuzz - Esquadrão de Província" tenha ganho muitos adeptos à custa dessa fusão, o seu apelo fica por esclarecer, já que as boas ideias da premissa nem sempre têm execução à altura.

O início é promissor, seguindo o destacamento de um polícia londrino para uma pequena localidade no interior, uma vez que o seu elevado profissionalismo, grau de exigência e eficácia deixavam na sombra os seus colegas. Quando chega ao seu novo local de trabalho, o protagonista mantém a sua obstinação, que mais uma vez é encarada com estranheza pelos que o rodeiam, e ainda que nos primeiros casos de debata com infracções menores acaba por se envolver nos motivos que geraram uma série de mortes, lançando suspeitas para a existência de um serial killer.

"Hot Fuzz - Esquadrão de Província" arranca com energia e diálogos certeiros, exibindo sinais de uma interessante comédia irreverente e offbeat, mas aos poucos vai aderindo a um convencionalismo que nem mesmo o seu flirt com cenas de acção ou gore consegue disfarçar. As conversas entre o protagonista e o seu atabalhoado colega revisitam cenas de filmes de acção emblemáticos como "Bad Boys II" ou "Point Break", o rumo dos acontecimentos lembra por vezes o da saga "Arma Mortífera", ainda que num cenário algo inusitado, e mesmo que esta componente de homenagem/sátira gere momentos curiosos, não vai além disso, sendo pouco para que haja aqui algo marcante.

Aliás, esta mistura de géneros acaba por se tornar num tiro no pé, já que Wright não consegue manter um tom uniforme e faz com que o argumento ande aos solavancos, deixando o espectador hesitante entre momentos cómicos e outros mais crus e de alguma violência gráfica (e o humor negro que se tenta retirar desse cruzamento raramente acerta).

As personagens também não ajudam, pois se Simon Pegg e Nick Frost ainda constituem uma dupla com algum interesse - ainda que presa aos estereótipos dos buddie movies - os secundários são caricaturas sem consistência, o que é pena tendo em conta que muitos são nomes talentosos da britcom, como Martin Freeman, Stephen Merchant ou Paddy Considine.

Com uma duração mais curta, talvez "Hot Fuzz - Esquadrão de Província" resultasse, mas duas horas é claramente demais para um argumento tão raso e que só a espaços oferece sequências de humor pelas quais tem sido destacado - e mesmo essas estão longe de ser hilariantes, confirmando que há mais carisma num episódio de meia hora de muitas comédias britânicas televisivas do que aqui.

Os últimos minutos são particularmente monótonos, assentando num tiroteio supostamente paródico embora tão banal como os de um filme de Jerry Bruckheimer ou Michael Bay. Wright tenta fazer desta uma obra auto-consciente e clever, só que essa pretensão sai vitimada quando não oferece momentos à altura, sendo poucos os rasgos de criatividade de uma comédia que no seu melhor se fica pela mediania e que, com as devidas distâncias, está geralmente mais próxima da banalidade de uma qualquer "Academia de Polícia" do que da ousadia delirante de "Team America - Polícia Mundial".

E O VEREDICTO É: 2/5 - RAZOÁVEL

10 BLOGUES, 5 FILMES, 1 REALIZADOR

2007-11-30T23:39:00.000Z

A tabela relativa a algumas das estreias de Novembro, mais uma vez organizada pelo Knoxville. O realizador do mês foi Robert Zemeckis, do qual não sou grande apreciador mas que ainda assim fez alguns filmes que me marcaram - "Quem Tramou Roger Rabbit?" é daqueles de que gostei aos 7 (ou perto disso) e julgo que continuarei a gostar aos 77.

FUTURISMO OLD SCHOOL

2007-11-29T23:23:00.000Z

Antes de se tornar numa dos nomes fortes da Ed Banger - editora que congrega alguns dos artistas mais emblemáticos da nova electrónica francesa -, DJ Mehdi, ou Mehdi Faveris-Essadi, tinha já um currículo musical respeitável que incluía a participação em bandas de hip-hop como Ideal J e 113, colaborações com MC Solaar, Cassius ou Daft Punk ou composições para as bandas-sonoras de “Mulher Fatal”, de Brian DePalma, ou “Reis e Rainha”, de Arnaud Desplechin.

“The Story of Espion”, o seu álbum de estreia editado em 2002, garantiu-lhe alguns elogios, que foram agora reforçados com o seu segundo disco em nome próprio, “Lucky Boy”, um claro passo em frente onde exibe maior eclectismo e segurança.

Ao contrário da maioria dos seus colegas de editora, como o duo Justice, que recontextualizam referências do french touch de 90 e investem numa nova abordagem entre a house e o rock, DJ Mehdi apresenta temas menos crus e explosivos, centrando-se numa simbiose de hip-hop old school, funk e electro vincada por uma forte carga cinemática e heranças da década de 80.

“Lucky Boy” resulta num interessante conjunto de ambientes, geralmente através de canções instrumentais não muito dinâmicas, de onde sobressai a eficácia de Mehdi como produtor e algum talento na composição, ainda que nunca registe um nível inventivo muito acima da média. Mais agradável do que desafiante, o disco é um curioso caleidoscópio que se empenha na revisitação de estilos e não tanto na projecção de novas ideias, o que não chega a ser um problema já que consegue ser quase sempre absorvente.

Há por aqui vários momentos contagiantes, seja a colaboração com a dupla Chromeo em “I Am Somebody”, um single certeiro e orelhudo, o brevíssimo concentrado de energia de “Signatune”, a sucessão de riffs de guitarra de “Boggin” (um dos poucos que se aproxima da matriz dos colegas da Ed Banger) ou a hipnótica e enigmática faixa-título, que assentaria bem num thriller urbano e elegante.

“Pony Rocking” e “Leave It Alone” ancoram-se num hip-hop sintético com vozes regadas a hélio, “Always Be an Angel” viaja por atmosferas árabes e “Love Bombing” vai desenhando um lento crescendo de intensidade, mantendo-se na fronteira entre o sereno e o inquietante.

Pontualmente há temas menos consistentes, como “Wee Bounce”, cuja percussão repetitiva e imutável acaba por cansar, mas na maior parte dos casos DJ Mehdi convence e faz com que “Lucky Boy” seja um disco capaz de resistir a muitas audições, com potencial para se tornar numa das bandas-sonoras para o quotidiano de muitos.

E O VEREDICTO É: 3/5 - BOM

DJ Mehdi feat. Chromeo - "I Am Somebody"

ESTREIA DA SEMANA: "PROMESSAS PERIGOSAS"

2007-11-28T08:31:00.000Z

"Promessas Perigosas" (Eastern Promises) é o melhor filme de David Cronenberg em muitos anos - pelo menos para mim, que não sou um admirador incondicional do quase consensual "Uma História de Violência".

Tal como nessa obra precedente, aqui o realizador canadiano afasta-se dos domínios algo bizarros que dominaram parte da sua cinematografia mas não deixa de ser cru e cortante, oferecendo um consistente drama sobre os interstícios da máfia londrina. Viggo Mortensen, o protagonista, obtém aqui um dos seus desempenhos mais fortes e Naomi Watts e Vincent Cassel reforçam a coesão do elenco, num dos títulos mais aconselháveis do final de 2007. Opinião mais alargada aqui.

Outras estreias:

"Conversas com o Meu Jardineiro", de Jean Becker
"Hitman - Agente 47", de Xavier Gens
"Paranoid Park", de Gus Van Sant
"Uma História de Encantar", de Kevin Lima

O MEU TIO

2007-11-26T21:56:00.000Z

"A Outra Margem", o novo filme de Luís Filipe Rocha, gera desde logo alguma curiosidade por contar com uma dupla protagonista pouco habitual: um tio e um sobrinho onde o primeiro é um travesti e o segundo um adolescente com Síndrome de Down. O resultado, contudo, é menos atípico ou mesmo irreverente do que esta junção poderia sugerir, originando um drama sóbrio e contido que se debruça nas contrariedades das relações humanas, tanto familiares como amorosas, e sobretudo na forma como a diferença as influencia.

Ricardo, que faz espectáculos musicais como travesti num bar lisboeta, entra em desespero após o abrupto suicídio do namorado, mas depois de uma visita da sua irmã, que não via há anos, decide regressar com ela à sua terra natal, uma localidade no interior, local onde deixou um pai desiludido e uma noiva frustrada. É aí que conhece outro familiar, o seu sobrinho Tomás, um jovem com trissomia 21 que aos poucos o vai contagiando com a sua espontaneidade e optimismo, e as conversas que partilham acabam por os encorajar a encetar novas fases nas suas vidas.

Luís Filipe Rocha apresenta aqui um filme corajoso, honesto e sensível, características que compensam alguns dos seus problemas. Um dos maiores é o facto dos primeiros 15/20 minutos não serem especialmente envolventes, presos a cenas com planos demasiado longos e contemplativos que impõem um arranque desnecessariamente moroso.
Felizmente, o desenvolvimento da narrativa torna-se mais interessante à medida que as personagens se vão dando a conhecer, e mesmo com um ritmo irregular este drama acaba por ir conquistando através de um argumento consistente e um assinalável rigor formal.

Tal como em outras obras do cineasta, "A Outra Margem" demonstra apuro tanto na realização como na direcção de actores, tendo esta última sido distinguida no Festival de Montreal, onde Filipe Duarte e Tomás Almeida foram ambos galardoados com o prémio de melhor actor. Percebe-se porquê, já que a dupla oferece aqui interpretações sentidas, e Duarte é especialmente notável, compondo uma personagem que facilmente poderia cair na caricatura mas que aqui surge num retrato tridimensional - das expressões faciais à linguagem corporal, o actor sofre uma impressionante metamorfose face ao que já demonstrou em qualquer outro papel que encarnou.

Maria D'Aires e Sara Graça convencem na pele das duas personagens femininas e a fotografia de Edgar Moura potencia alguns belíssimos planos - as paisagens de Amarante, onde grande parte da acção foi filmada, também ajudam -, complementando os seguros enquadramentos de Rocha. Igualmente curiosa é a banda-sonora criada pelos Corvos, ainda que a sua quase omnipresença possa ser cansativa a espaços.

Pena que os interessantes conflitos entre as personagens não sejam tão explorados como se desejaria, impondo um desenlace que deixa várias pontas soltas. Situações como a do reencontro do protagonista com o pai - claramente simbólica, a explicar o título do filme - perdem força por não terem seguimento, não aproveitando ao máximo as possibilidades da premissa.
Aliadas aos problemas iniciais da narrativa, fazem de "A Outra Margem" uma obra desequilibrada, embora não a impeçam de se destacar como um dos bons títulos do final de 2007 e, principalmente, como um dos escassos filmes portugueses dos últimos tempos que vale a pena descobrir.

E O VEREDICTO É: 3/5 - BOM

VER E OUVIR (2)

2007-11-26T12:42:00.000Z

Colaborou com os The The, Dee-Lite ou Curtis Mayfield, editou dois álbuns a solo e mais recentemente juntou-se aos Soul Investigators, com quem gravou o disco "Keep Reachin' Up". São estes últimos que acompanham Nicole Willis hoje, no Casino de Lisboa, para um concerto de entrada livre que deverá começar pelas 22h30. Espera-se uma noite de soul e funk clássicos, que terão continuidade no DJ set de Keb Darge.

Como aperitivo para o espectáculo deixo a colaboração da cantora com os Leftfield num dos poucos grandes momentos de "Rythm & Stealth", o último álbum do duo britânico:

Leftfield - "Swords"

VER E OUVIR

2007-11-25T21:08:00.000Z

Com o final do ano a aproximar-se, o Posto de Escuta já escolheu as 10 capas de discos de 2007 que melhor ficam no Cover Flow do iTunes. Apesar de gostar da maioria das escolhas do Pedro, as minhas duas capas preferidas - para ver no iTunes ou não - pertencem ao mesmo álbum:

As capas são enganadoras, já que "A Weekend in the City" não é um disco tão conseguido, ainda que os Bloc Party já o tenham compensado com um dos melhores concertos do ano - no Coliseu de Lisboa, em Maio - e com uma nova canção, "Flux", que primeiro se estranha mas depois se entranha e aponta novas (e interessantes) direcções para o grupo.

Para ver e ouvir aqui em baixo, mas melhor do que o single é uma versão mais longa, que pode ser ouvida e descarregada aqui, juntamente com o óptimo instrumental do mesmo tema e a também recomendável remistura de Burial para "Where is Home?".

Bloc Party - "Flux"

POR FAVOR NÃO ME DEVOREM O PESCOÇO

2007-11-24T16:28:00.000Z

Com o filão dos super-heróis quase esgotado, Hollywood tem investido ultimamente em adaptações da BD norte-americana de outros contornos, direccionando-se para graphic novels dos mais diversos estilos - como pode comprovar-se pela transposição de "300", "Stardust" ou "Sin City" para o grande ecrã. "30 Dias de Escuridão" (30 Days of Night) é um dos exemplos mais recentes, inspirando-se nas pranchas de Steve Niles e Ben Templesmith para criar um filme vincado pelo suspense e algum terror, ou não contasse com a presença de temíveis vampiros.

A premissa é excelente, focando a invasão de uma pequena localidade do Alaska por um grupo de sugadores de sangue durante 30 dias em que nunca se vê a luz do Sol. O cenário frio, hostil e sobretudo nocturno é o ideal para que o grupo de vampiros consiga fazer um banquete duradouro, e o realizador de David Slade - o mesmo do muito promissor "Hard Candy" - é hábil na confecção de atmosferas com tanto de inquietante como de absorvente.

A tradição dos vampiros no cinema vem já desde longe, mas até agora nenhum tinha tido algumas das ideias que "30 Dias de Escuridão" apresenta, desde o peculiar espaço em que acção decorre até à própria caracterização dos descendentes de Nosferatu, que poucas vezes terão sido retratados de forma tão crua, primitiva e arrepiante, sendo aqui pouco mais do que criaturas predadoras desprovidas de qualquer tipo de romantismo.

A realização de Slade não desaponta e mantém a hipnótica energia visual que já era um dos trunfos de "Hard Candy", propiciando belíssimos contrastes entre o sangue e a neve, e o realizador imprime um ritmo eficaz, por vezes vertiginoso, que mantém o suspense ao longo das quase duas horas de duração.

Este evidente savoir faire compensa alguns aspectos menos conseguidos, sendo o mais flagrante a do desenvolvimento das personagens, quase todas carne para canhão - ou pescoço para dentição - e não tanto figuras que surtam especial empatia.

Josh Hartnett, o protagonista, será das raras excepções, muito por culpa de um underacting carismático, e através da conturbada relação com a personagem de Melissa George fornece a âncora emocional do filme. Ben Foster oferece também, como habitual, uma interpretação segura, ainda que a sua personagem tenha uma relevância quase nula para o argumento, e Danny Huston sai-se bem como o arrepiante líder dos vampiros, mesmo tendo um papel sem grandes possibilidades dramáticas.

Outro elemento que compromete o brilhantismo de "30 Dias de Escuridão" é o facto da passagem do tempo não ser apresentada de modo convincente, pois apesar das legendas anunciarem a sucessão dos 30 dias, as atitudes - e mesmo o aspecto - das personagens leva a crer que decorreram apenas algumas horas ao longo do filme.

Mesmo assim, esta é ainda uma experiência cinematográfica meritória, que se não redefine o género - como a premissa poderia sugerir - também não o envergonha, apresentando muitas sequências certeiras e envolventes, dominadas por explosões de cor e tensão. Slade aposta, e bem, numa narrativa directa e escorreita, com uma eficácia de série-B - não por acaso, a sombra de Carpenter, e de "The Thing" em particular, nota-se em algumas cenas -, e serve aqui uma refeição recomendável para apreciadores destas iguarias. Quem tiver estômagos mais sensíveis deve, contudo, optar por menus mais ligeiros.

E O VEREDICTO É: 3/5 - BOM

FUNDO DE CATÁLOGO (6): MULU

2007-11-21T23:55:00.000Z

Hoje poderão estar no esquecimento, mas há precisamente dez anos um dos seus singles era dos que mais airplay tinha. Foi, de resto, o único tema que fez com que os britânicos Mulu ganhassem algum mediatismo na altura, já que o disco que então editaram, "Smiles Like a Shark", é o seu primeiro e último.

O álbum é também um dos que não resistiu muito bem ao tempo, marcado pelo misto de trip-hop e de uma pop dançável de finais de 90 que, apesar de exibir alguma frescura nesses dias, está agora datado. O tal single, que dá pelo nome de "Pussycat", é continua a ser, mesmo assim, uma canção eficaz e indispensável em qualquer revisitação aos one hit wonders da década passada. Mas nada como recordá-la para tirar as dúvidas, aqui em baixo:

Mulu - "Pussycat" Recordações anteriores

NOVAS AMEAÇAS NA HISTÓRIA DO COSTUME

2007-11-20T21:44:00.000Z

"A Invasão" (The Invasion) é a mais recente versão de uma série de filmes iniciada em "Invasion of the Body Snatchers", obra de Don Siegel que se tornou num dos marcos do cinema de ficção científica em 1956 e foi alvo de reinterpretações por parte de Philip Kaufman ("Invasion of the Body Snatchers", 1978) e Abel Ferrara ("Body Snatchers", 1993).

Os filmes tiveram como ponto de partida o livro "The Body Snatchers", de Jack Finney, editado na altura da Guerra Fria, cuja história podia ser vista como metáfora desses tempos, e essa perspectiva política/social manteve-se também nas adaptações cinematográficas, de forma mais ou menos óbvia, sofrendo evoluções ao longo das décadas em que cada versão foi criada.

O mesmo volta a ocorrer neste olhar do alemão Oliver Hirschbiegel, que não desperdiça oportunidades de injectar numa aventura com extraterrestres uma evidente crítica aos comportamentos humanos e à suposta evolução das civilizações, em particular ao potencial que cada um tem para cometer as maiores atrocidades.

Não é novidade que grande parte da ficção científica sempre teve no âmago uma análise a contextos políticos e sociais, por vezes lançando interessantes questões sobre a natureza humana, e se é verdade que "A Invasão" se esforça por empreender um debate não o é menos que essa tentativa resulta num esforço forçado e pouco subtil, que impõe pontos de vista ao espectador em vez de fazer com que este se interrogue.

Este misto de transparência e didactismo não seria muito problemático caso o filme apresentasse doses de criatividade e surpresa que o compensassem, mas pouco acrescenta às versões anteriores, funcionando como mais do mesmo para quem já as conhece e arriscando-se a defraudar as expectativas de quem espera encontrar aqui uma obra de ficção científica que entusiasme e inquiete.

A premissa, centrada numa epidemia onde um microorganismo se insere nos humanos e passa a controlá-los após estes dormirem, poderia estar na origem de bons resultados, e embora Hirschbiegel consiga ofecer alguns eficazes momentos de suspense acaba por perder-se numa narrativa mecânica e formulaica.
Muitas das situações foram já vistas e revistas em filmes da série ou fora dela - a fuga da protagonista com o seu filho faz lembrar a jornada de Tom Cruise e Dakota Fanning em "Guerra dos Mundos", de Spielberg, e perde na comparação -, o desenlace é particularmente apressado e pouco satisfatório e a realização, mesmo sendo sempre competente, não tira o filme do anonimato já que nunca gera sequências memoráveis.

O elenco, à partida um dos elementos apelativos, acaba por não trazer especiais mais-valias, uma vez que nem Nicole Kidman nem Daniel Craig têm grandes personagens para defender e os seus papéis podiam ser interpretados por quaisquer outros. Craig então tem mesmo pouco para fazer, desperdiçando o seu carisma numa figura mal desenvolvida, e Kidman limita-se a servir as etapas do argumento, correndo de um lado para o outro e oscilando entre o pânico e o nervosismo controlado. Curioso, mesmo, só o facto de ambos serem aparentemente invulneráveis a acidentes de viação, ainda que esse aspecto não pareça ser intencional no argumento.

"A Invasão" não chega a ser um filme despiciendo, pois apesar de pouco imaginativo não se torna aborrecido, é escorreito e por vezes interessante de seguir. Contudo, também nunca nunca vai além de uma mediania indistinta, o que é pouco para uma obra que, tanto pela premissa como pelos nomes envolvidos, tinha obrigação de ser mais do que um entretenimento descartável.

E O VEREDICTO É: 2,5/5 - RAZOÁVEL

ROCK MELANCÓLICO SERVIDO COM ENERGIA

2007-11-17T22:57:00.000Z

Em 2005 foram uma das boas surpresas da geração de bandas que revisitou o pós-punk ao longo desta década, servindo em "The Back Room" uma estreia convincente e auspiciosa, devedora de muitas refêrências incontornáveis - Joy Division, Echo and the Bunnymen - ainda que com com uma personalidade já denunciada.
Este ano, os Editors regressaram com "An End Has a Start", um digno sucessor que manteve o carisma de um projecto seguro, não alargando muito os seus horizontes musicais mas cimentando as boas impressões iniciais.

Estes dois registos constituíram o cerne do alinhamento de ontem no Pavilhão do Restelo, onde o jovem quarteto de Birmingham se apresentou pela segunda vez em Portugal após uma breve passagem pelo festival Super Bock Super Rock do ano passado.

Com uma rápida e pontualíssima entrada em palco (precisamente às anunciadas 22 horas), iniciaram o espectáculo com o tema de abertura do disco de estreia, "Lights", sendo imediatamente aplaudidos pelo público que aí preenchia já quase todo o recinto.

O vocalista Tom Smith, que em disco remete para a carga soturna de vocalistas urbano-depressivos da década de 80, exibiu uma vivacidade que contrastou com o tom melancólico da maioria das canções, e subiu para cima do piano logo aos primeiros minutos, gerando uma química com os espectadores que se manteve ao longo da quase hora e meia de concerto.

A banda satisfez tanto em momentos dinâmicos e épicos como "Bones" ou "An End Has a Start" como nos mais contemplativos e serenos "The Weight of the World" ou "When Anger Shows", perdendo pouco tempo com conversas com a audiência - embora Smith não tenha sido parco nos já tradicionais "obrigados" - e oferecendo uma rápida sucessão de temas, praticamente sem pausas, impondo um ritmo que só desacelerou em episódios de alguma monotonia como "Spiders".
Esta e algumas outras canções do segundo álbum, ainda que bem recebidas e muito aplaudidas, perderam na comparação com as do primeiro, que felizmente dominaram grande parte do repertório.

Singles certeiros como "Bullets" ou "Blood" despoletaram uma óbvia resposta emocional do público, e a magnífica "Munich", que ainda é a melhor canção do grupo, foi a responsável pelo pico de intensidade da noite, surgindo numa versão mais longa do que a do disco (sendo também das poucas que se diferenciou do original).

Entre passagens pelos dois discos hove ainda espaço para um inédito, "Banging Heads", e o lado-B "You Are Fading", ambos igualmente bem acolhidos, complementando uma sucessão de consistentes portentos de rock negro ora dançável ora medidativo.
Com uma actuação escorreita e empenhada, os Editors só não entusiasmaram quando a bateria e a guitarra eclipsaram o piano em demasiadas ocasiões, ou quando Smith procurou imitar os trejeitos vocais de Ian Curtis, algo de que não precisou nos discos e que ao vivo soou forçado e balofo, comprometendo o carisma de algumas canções. Não ameaçaram, no entanto, as reacções do público, sempre dedicado e atento, que acompanhou muitas vezes o vocalista e revelou-se um profundo conhecedor da discografia da banda.

A julgar pelo entusiasmo mútuo entre os espectadores e o grupo, os Editors têm carta branca para voltar a Portugal, e espera-se que caso o façam incluam no alinhamento "Camera", um dos melhores temas do primeiro álbum e uma das falhas de uma noite interessante e a espaços tão empolgante como a resposta dos espectadores sugeriu.

Antes do quarteto de Birmingham subir a palco, coube a Mazgani receber o público que foi chegando sem pressas. O músico iraniano, actualmente a residir em Setúbal, levou ao Pavilhão do Restelo o seu álbum de estreia, "Song of the New Heart", substituindo os previstos Boxer Rebellion. Durante pouco mais de meia hora, o cantor e a sua banda obtiveram uma quantidade assinalável de aplausos após uma actuação competente, vincada pela matriz singer songwriter que por vezes lembrou a angústia de um Nick Cave. Não sendo a primeira parte mais óbvia ara um concerto dos Editors, acabou por antecipar eficazmente o rock negro que se seguiu.

E O VEREDICTO É: 3/5 - BOM

Fotos: Eduardo Santiago

MODELO E DETECTIVE

2007-11-17T16:28:00.000Z

Tony Scott é muitas vezes acusado pelos seus detractores de contar com uma filmografia onde o estilo esmaga quase sempre a substância, eclipsando personagens e linhas narrativas em prol de uma pirotecnia ostensiva e outras formas de exibicionismo estético.

No entanto, nada que o realizador tenha feito a esse nível se compara com o que apresenta em "Dominó" (Domino), onde hiperboliza essa tendência e leva o seu delírio visual ao limite num filme com tanto de experimental como de megalómano, onde momentos de inspiração surgem lado-a-lado com outros de desnorte criativo.

O ponto de partida já era invulgar q.b., uma vez que o filme pretende ser o biopic de Domino Harvey, uma jovem modelo que trocou a sua vida próspera e confortável por experiências mais extremas ao aderir a um grupo de destemidos caçadores de prémios, que se divertem e ganham a vida a caçar criminosos em fuga.
O facto do argumento ser assinado por Richard Kelly, o realizador do filme de culto "Donnie Darko", indicia que esta será uma obra pouco convencional, e a embalagem em que Scott a envolve só o confirma, atirando-a para a categoria de onvis cinematográficos, um objecto intrigante e inclassificável mas não necessariamente conseguido.

Não falta ambição ao projecto, que de resto pode ser confirmada na lista de ilustres (ou não tanto) que integram o elenco: além da protagonista Keira Knightley e do renascido Mickey Rourke, também Christopher Walken, Lucy Liu ou Mena Suvari marcam presença, embora o mais inesperado seja ver, no mesmo filme, gente tão díspar como Macy Gray, Jerry Springer(!), Tom Waits(!!) ou Brian Austin Green e Ian Ziering, dois actores de "Beverly Hills 90210" que fazem deles próprios(!?!).

Para além de incluir tantos nomes aparentemente incompatíveis, "Dominó" é igualmente arrojado ao apostar numa narrativa que atira em várias direcções, o que se por um lado pode ser desafiante aqui torna-se mais confuso e cansativo, já que Scott parece não saber distinguir o essencial do acessório.
Assim, o filme não é tanto sobre os dilemas da protagonista mas antes uma sátira ao lixo televisivo dos últimos anos, escolhendo alvos fáceis como séries juvenis ou reality shows.
Ou se calhar é sobre as diferenças étnicas, culturais e sociais e das injustiças que a elas estão ligadas, tornando válido um jogo de vale tudo quando encetado a favor da defesa dos mais frágeis e inocentes.
Ou talvez não queira ser nada disso, contentando-se em funcionar como um concentrado pós-moderno que quase dilui as fronteiras entre a linguagem cinematográfica e a do videoclip - o que nem é inédito na filmografia do realizador, vincada pelos recorrentes planos curtos e montagem hiperactiva.

No meio de garridos borrões de cor tão omnipresentes e intrusivos como a voz off da protagonista (que não se cansa de repetir muitas frases), assim como da constante mudança de azimutes do argumento, não há grandes hipóteses de sair daqui um resultado consistente, o que faz de "Dominó" um filme que está quase sempre na corda bamba entre o brilhantismo e a banalidade, sem que se mova definitivamente para um dos lados.

Os actores são pouco mais do que bonecos de papelão e em nenhum momento ganham especial interesse, sobretudo quando, lá para o final, Scott tenta fazer passar a protagonista e amigos por bons samaritanos numa jogada manipuladora que só conquistará os mais ingénuos. Knightley interpreta uma ex-modelo supostamente bad girl mas não lhe retira a postura mimada e snob, numa interpretação com mais pose do que intensidade e que se assemelha a um cruzamento dos trejeitos de Tank Girl e Posh Spice - e infelizmente longe do assinalável magnetismo que atingiu em "Orgulho e Preconceito", de Joe Wright.

"Dominó" tem então potencial para irritar quem já não era adepto do estilo de Scott, mas quem não depositar aqui expectativas muito elevadas ainda pode divertir-se com o descaramento de alguns momentos e com o tubo de ensaio estético que ocasionalmente gera sequências hipnóticas. E mesmo sendo um filme inconsequente e parcialmente falhado, este tem o mérito de arriscar mais do que a maioria dos produtos made in Hollywood, o que já é motivo para que mereça alguma atenção.

E O VEREDICTO É: 2,5/5 - RAZOÁVEL

ESTREIA DA SEMANA: "CONTROL"

2007-11-15T16:43:00.000Z

Chega finalmente a salas nacionais "Control", estreia na realização de longas-metragens de Anton Corbijn, o inimitável fotógrafo que já deixou uma forte marca na imagem dos Depeche Mode ou U2. Aqui o foco são os Joy Division, em particular o vocalista Ian Curtis, num biopic que relata os episódios que antecederam o seu suicídio, em 1980. Sam Riley e Samantha Morton são os protagonistas de uma das principais estreias da recta final de 2007. A banda-sonora vale muito a pena, e espera-se que o filme também.

Outras estreias:

"Across the Universe", de Julie Taymor
"Beowul 3D Digital", de Robert Zemeckis
"Delírios", de Tom DiCillo
"E Não Viveram Felizes Para Sempre", de Paul Bolger e Yvette Kaplan
"Gangster Americano", de Ridley Scott
"Nomad - A Profecia do Guerreiro", de Sergei Bodrov e Ivan Passer

Trailer de "Control"

FESTEJOS SEM CERIMÓNIAS

2007-11-14T20:05:00.000Z

No último concerto da digressão de "Edição Ilimitada", o seu quarto álbum de originais, a anteceder o lançamento de "Matéria Prima", restrospectiva da banda a editar no início de 2008, os Mind da Gap recordaram quinta-feira na Aula Magna momentos das várias fases da sua carreira.

Acolhido por fãs acérrimos, recém-convertidos e alguns curiosos, o trio de Ace, Presto e Serial não demorou muito a lançar ondas de energia pela sala, desafiando o público, incitando-o a dançar e a não permanecer sentado em várias ocasiões. O convite foi sempre correspondido, o que fez com que, embora o recinto estivesse apenas com cerca de metade da lotação, o concerto nunca tenha perdido o ritmo, mantendo um dinamismo regular do início ao fim.

Contudo, se não houve momentos mortos, também não foram muitos os memoráveis, em parte devido ao alinhamento, com temas demasiado semelhantes, mas também ao som, que não deixou que as palavras disparadas por Ace e Presto fossem sempre perceptíveis.
Isto não pareceu incomodar a maioria dos que lá estiveram, já que os aplausos foram constantes, os pedidos de músicas também, e o bom-humor dos dois MCs encarregou-se de gerar vários episódios curiosos. Ace foi especialmente mordaz em breves comentários ao cenário político ou ao entretenimento televisivo, conquistando a adesão imediata do público, ao qual dirigiu diversos agradecimentos.

Ao longo de duas horas, o grupo portuense ofereceu um medley com alguns dos seus principais temas, convidou Maze, dos Dealema, para duas colaborações e revisitou os seus quatro álbuns de originais, não esquecendo canções obrigatórias como "Falsos Amigos" ou "Todos Gordos", intercaladas por êxitos mais recentes como "Não Stresses" ou "Tilhas? São Sapatilhas".
O já velhinho "Dedicatória", primeiro single do disco de estreia, "Sem Cerimónias" (que celebra dez anos), foi um dos pontos altos, confirmando-se ainda como um tema essencial do hip-hop feito por cá, e será o cartão de visita da compilação "Matéria Prima".

Com a química entre banda e público a compensar alguma falta de surpresas ou rasgos, a actuação chegou para atestar a boa forma dos Mind da Gap e terá sido uma oportunidade para alguns dos espectadores se terem inciado nos concertos - a julgar pela faixa etária de muitos e pelo facto de outros tantos terem começado a sair antes do encore. Espera-se que hajam outras, tanto para o público como para o grupo.

E O VEREDICTO É: 3/5 - BOM

Entrevista aos Mind da Gap

VIAGEM AO SUBMUNDO LONDRINO

2007-11-12T23:02:00.000Z

Depois de "Uma História de Violência" ter assinalado um considerável ponto de viragem na sua filmografia, David Cronenberg mantém essa tendência em "Eastern Promises", outra obra longe dos universos alucinantes e bizarros pelos quais se notabilizou tanto numa fase inicial, em títulos como "Scanners" ou "A Mosca", como em anos mais recentes, em "eXistenZ" ou "Spider".

Isto não implica, contudo, que o seu novo filme esteja desprovido de fortes marcas identitárias, uma vez que desde o início que a narrativa mergulha numa atmosfera sinuosa e inquietante, e à medida que se vai desenvolvendo a acção abre espaço para a exploração de temas recorrentes do cineasta canadiano, sejam questões relacionadas com o corpo e as suas alterações, sejam os interstícios mais negros da esfera humana e a forma como a violência regula relações.

Embora invista ainda em temáticas familiares, "Eastern Promises" surpreende pelo realismo dos cenários, personagens e situações, e arrisca-se a ser mais perturbante do que outros filmes do realizador, assentes nas fronteiras entre domínios do terror e da ficção científica.
Ambientado nos recantos mais obscuros de Londres, este cruzamento de thriller e drama centra-se numa enfermeira que, após ter ajudado a dar à luz uma bebé cuja mãe adolescente morreu no parto, tenta encontrar a sua família tendo como única pista um diário.

A sua busca leva-a a contactar com alguns elementos da máfia russa, já que a jovem que ajudou era vítima de uma rede de prostituição de leste, e a situação complica-se quando o dono de um restaurante que lhe propõe ajuda parece, afinal, ter mais interesse no diário do que o aparente altruísmo inicial sugeria. O circunspecto motorista deste acaba por ser uma peça essencial no jogo de forças que então se impõe, proporcionando algumas das principais surpresas da narrativa.

Cronenberg recorre a um argumento de Steve Knight, o mesmo autor do de "Estranhos de Passagem", filme de Stephen Frears que oferecia outro pungente olhar sobre o submundo londrino, e a precisão milimétrica com que desenha retratos de conflitos ambíguos é um dos trunfos de "Eastern Promises". Outro é a fotografia de Peter Suschitzky, que muito contribui para a criação de uma intrigante energia visual, reforçando a aspereza e verosimilhança dos por vezes claustrofóbicos cenários urbanos que aqui são percorridos.

Aliados à segura realização, capaz de servir algumas cenas de antologia - como as dos (literalmente) cortantes momentos iniciais ou de uma sequência de combate num balneário -, estes elementos concedem ao filme um assinalável equilíbrio, felizmente complementado pela apurada direcção de actores.

Viggo Mortensen apresenta aqui um dos seus melhores desempenhos, mais conseguido do que o de "Uma História de Violência", conferindo densidade a uma personagem enigmática e envolvente. Naomi Watts também não desaponta como enfermeira obstinada, ainda que nao se desvie muito do seu registo habitual, Vincent Cassel oscila entre o frágil e o histriónico numa das personagens mais surpreendentes, e o veterano Armin Mueller-Stahl é apropriadamente austero e nebuloso.

Coeso e absorvente, "Eastern Promises" não chega a ser arrebatador devido a um desenlace algo abrupto, fechando demasiado cedo uma história que talvez ganhasse com mais alguns minutos - a personagem de Watts, por exemplo, poderia ter sido mais desenvolvida. Ainda assim, é um filme acima da média e o melhor do cineasta em muitos anos, demonstrando que, não obstante alguns altos e baixos na sua obra, Cronenberg continua a ser um realizador singular e um atento observador do mundo de hoje.

E O VEREDICTO É: 3,5/5 - BOM

"Eastern Promises" é exibido nesta terça-feira pelas 16h30 no Cinema Villa, em Cascais, no âmbito do European Film Festival

26

2007-11-10T18:09:00.000Z

E pronto, a barreira do quarto de século foi ultrapassada, e já me encontro mais perto dos 30 do que dos 20. Mas mesmo estando a aproximar-me da suposta crise que daí advém, enquanto tiver gente como a Shirley, a Björk ou as meninas das Cibo Matto a cantar para mim, vou continuar a festejar:

Sugarcubes - "Birthday"

Garbage - "When I Grow Up"

Cibo Matto - "Birthday Cake"

UMA BANDA PARA ADMIRAR

2007-11-08T19:45:00.000Z

Se dúvidas houvessem, os Interpol provaram ontem que são uma das bandas actuais que melhor incorpora a herança do pós-punk, sensação que já havia sido sugerida no disco de estreia, "Turn on the Bright Lights" (2002), reforçada em "Antics" (2004), e apenas levemente colocada em causa em "Our Love to Admire" (2007), o disco mais recente, que acusou alguma estagnação na sonoridade do quarteto nova-iorquino, mesmo não deixando de concentrar uma série de boas canções.

E foi de grandes canções que viveu o alinhamento de um esgotadíssimo concerto do Coliseu de Lisboa, a confirmar o crescente mediatismo de uma banda que já ganhou lugar cativo na lista de essenciais do rock actual, e prova disso foi o modo efusivo como alguns dos temas foram recebidos, demonstrando que os Interpol possuem na sua discografia meia dúzia de hinos urbanos.

O arranque, com "Pioneer to the Falls", que também é o primeiro tema do novo disco, cativou pela imponência, mas com canções mais antigas, como "Say Hello to the Angels", "Narc" e "Obstacle 1", logo a seguir, é que a banda acendeu um rastilho que a levou a resultados explosivos, e que de resto preencheram grande parte do alinhamento.

O desequilibrado "Our Love to Admire" não teve, felizmente, muito mais espaço do que os dois álbuns anteriores, e todos foram devidamente representados por pela maioria das melhores composições do grupo. Não faltou a pujante "Slow Hands", com um refrão que não deu descanso aos corpos de muitos dos que dançaram na plateia, nem outros pontos altos de "Antics" como a irresistível "Evil" ou a belíssima canção de amor que é "C'Mere", cuja ressonância emocional foi visível.

Nem todos os temas mais recentes conseguem atingir esse impacto, mas os que o concerto incluiu resultaram bem, tanto "Mammoth", com o seu atípico compasso dinâmico, como o abrasivo "Heinrich Maneuver", o dolente "No I in Threesome" e sobretudo "Rest My Chemistry", o melhor momento de "Our Love to Admire".

Cruzamento brilhante entre melancolia, excitação e sentido de urgência, a hora e meia servida pela banda ganhou ainda pelo cuidado cénico, que se reflectiu nas recorrentes projecções e nas mudanças de tonalidades de canção para canção, entre azulados e violetas ou em estratégicos episódios surpreendentes como a explosão de luz na contemplativa "Lighthouse".

Se na sua estreia em Portugal, na última edição do festival Super Bock Super Rock, muitos acusaram o quarteto de adoptar uma postura demasiado fria e distante, nesta nova visita o grupo não foi propriamente caloroso mas demonstrou simpatia através dos frequentes agradecimentos emitidos pelo vocalista Paul Banks - nem faltou o obrigatório "obrigado" - ou dos seus elogios a Lisboa. Antes isto do que tagarelices forçadas e dispensáveis, até porque no que realmente interessa - a música - o desempenho dos Interpol foi inatacável, exibindo uma evidente coesão, com uma segurança instrumental invejável e uma não menos envolvente entrega vocal de Paul Banks.

O encore sublinhou o carisma e consistência de um grande espectáculo, com "Take You on a Cruise", a muito aguardada "Stella Was a Diver and She Was Always Down" e a certeira "PDA", esta última com direito a uma extensão instrumental de guitarra e bateria, que alargou o apelo dançável presente na maioria do concerto e fechou da melhor forma uma clara prova de solidez.

Antes do óptimo concerto dos Interpol, a noite começou com uma primeira parte à altura, a cargo do trio italo-japonês Blonde Redhead, também sediado em nova-iorque embora praticante de um rock mais etéreo e onírico, suportado por atmosferas intrigantes e pelas convincentes vozes de Kazu Makino e Amadeo Pace.

Temas do aclamado "23", o seu mais recente álbum, dividiram o protagonismo com recordações de registos anteriores, num aquecimento durou pouco mais de meia hora mas chegou para comprovar que não eram poucos os conhecedores do grupo. Quem não conhecia teve em momentos como "Equus", "23" e principalmente "Spring and by Summer Fall" (uma das mais apaixonantes canções de 2007) excelentes portas de entrada para uma banda que, tal como a de Paul Banks, merece um concerto em nome próprio por estes lados.

E O VEREDICTO É: 4/5 - MUITO BOM

Fotos: Vera Moutinho

ESTREIA DA SEMANA: EUROPEAN FILM FESTIVAL

2007-11-08T09:38:00.000Z

A partir de hoje, há mais um festival de cinema a acrescentar à lista que não tem parado de aumentar ultimamente: o European Film Festival, que até dia 17 se instala nas salas do Casino do Estoril e do Cascais Villa. O evento, dirigido por Paulo Branco, exibe 14 obras inéditas em competição e inclui, noutras secções, várias ante-estreias como o (recomendável) novo filme de David Cronenberg, "Eastern Promises", ou "Control", de Anton Corbijn.

Pedro Almodóvar e David Lynch são os realizadores em destaque, e o primeiro estará presente na cerimónia de abertura, esta noite (assim como algumas das suas actrizes de eleição, como Rossy de Palma ou Marisa Paredes), e amanhã à tarde num encontro com o público. As obras de ambos ocupam uma considerável fatia do cartaz, que as revisita na íntegra e inclui alguns títulos nunca exibidos antes por cá (como os primeiros filmes de Almodóvar ou as curtas-metragens de Lynch).

O European Film Festival contempla ainda concertos de Victoria Abril, Bernardo Sassetti Trio e Julee Cruise, que tal como as Master Classes de Werner Schroeter ou Raoul Ruiz, entre outros, são de acesso gratuito. Todas as informações no site oficial.

Das estreias da semana propriamente ditas não há muito a destacar, ainda que "A Morte do Sr. Lazarescu", de Cristi Puiu, ou "30 Dias de Escuridão", de David Slade (o realizador de "Hard Candy"), mereçam uma espreitadela.

UMA HISTÓRIA SIMPLES

2007-11-06T22:33:00.000Z

Quem nunca sentiu uma cumplicidade imediata com um conhecimento novo, que acabaria por perder-se inexplicavelmente ao fim de alguns contactos, talvez não se reveja em "Click", um dos minicomics da norte-americana Sara Ryan. Mas como presumo que não seja o caso da maioria dos que lêem estas linhas, recomendo que o descubram no ComicSpace, onde esta pequena história da argumentista de BD indie pode ser lida na íntregra.

FESTIVAL DE INTERPRETAÇÕES NUM DRAMA SÓBRIO

2007-11-05T23:30:00.000Z

"Ao Anoitecer" (Evening) chega às salas discretamente mas tem desde logo um forte factor de interesse, o impressionante elenco, praticamente um "quem é quem" de algumas das melhores actrizes de hoje, divididas por várias gerações. Não são muitos os filmes que podem orgulhar-se de reunir Claire Danes, Meryl Streep, Glenn Close, Toni Collette, Miranda Richardson ou Vanessa Redgrave, mas se por um lado Lajos Koltai consegue juntá-las no mesmo projecto fica também sujeito às expectativas que muitos poderão depositar numa obra que envolve tamanho talento interpretativo.

Felizmente, o realizador húngaro não desaponta e, mesmo não gerando aqui uma experiência cinematográfica insuperável, é capaz de apresentar um filme interessante, onde o resultado final não fica ofuscado pelos nomes do elenco e permite identificar aqui outros elementos meritórios.

Adaptado do livro homónimo de Susan Minot, "Ao Anoitecer" teve um argumento que contou com a colaboração da escritora e de Michael Cunningham (autor de "As Horas" ou "Uma Casa no Fim do Mundo", também já transpostos para cinema), e do trabalho da dupla saiu um drama intimista e complexo, que funciona como um envolvente estudo de personagens.

O filme parte do estado actual de Ann, uma mulher de idade avançada que se encontra acamada, vítima de cancro, enquanto é tratada pelas duas filhas e lhes revela, num estado entre o sono e a vigília, nomes de pessoas da sua juventude que elas não reconhecem. O espectador, no entanto, fica a conhecê-las através de constantes flashbacks rumo aos anos cinquenta, em particular à breve estadia de Ann em casa de uma amiga da classe alta britânica prestes a casar, e que aí acaba por ser um dos vértices de um inesperado triângulo (aliás, quadrado) amoroso.

Aos poucos, "Ao Anoitecer" vai revelando acontecimentos fulcrais passados nesses tempos que influenciaram toda a vida da protagonista, e que são recordados por ela, num misto de entusiasmo e frustração, à medida que a morte se insurge como destino cada vez mais próximo. É, de resto, na sua juventude que se alicerça grande parte da acção do filme, regressando pontualmente ao presente para seguir as inquietações das suas filhas.
Tanto num cenário como noutro há espaço para várias personagens, o que não há muito é tempo para algumas, já que ao longo das suas duas horas a película opta por desenvolver com mais profundidade a protagonista e mais duas ou três figuras, deixando outras entregues às necessidades do argumento.

Não é que "Ao Anoitecer" não tenha uma série de cenas com densidade emocional, pelo contrário, o problema é que da soma destas não resulta um todo muito coeso, ou pelo menos não tanto para o tornar num filme de excepção.
Tecnicamente, Lajos Koltai oferece um trabalho sem reparos, uma vez que a sua realização é leve e fluída, a reconstituição de época é convincente e com óbvios bons valores de produção e a fotografia seduz e conduz a momentos de fascinante energia visual (ou não tivesse sido um dos trunfos do seu primeiro filme, "Sem Destino"), o que com a mais-valia de um elenco irrepreensível poderia fazer desta uma obra de calibre superior.

Contudo, quando actrizes como Miranda Richardson, Meryl Streep ou Glenn Close não têm oportunidade de desenvolver as suas personagens e o argumento contém algumas soluções algo apressadas, questões por explorar (o fascínio da protagonista por Harris, por exemplo) ou uma carga poética e simbólica por vezes forçada, o resultado não é tão estimulante, ainda que mereça elogios.

Em contrapartida, é bom ver que, para além das actrizes já consagradas, "Ao Anoitecer" permite testemunhar o talento de nomes em ascensão como Mamie Gummer, filha de Streep, numa interpretação promissora, ou Hugh Dancy, que defende uma das melhores personagens com um comovente desempenho, a confirmar as boas impressões deixadas em "Shooting Dogs — Testemunhos de Sangue", de Michael Caton-Jones. Já Patrick Wilson é menos memorável, pois embora seja competente ampara-se mais no magnetismo físico do que na entrega interpretativa (embora o seu papel também não lhe forneça grandes desafios).

Mesmo sem dar o salto para o núcleo de obras obrigatórias, "Ao Anoitecer" é uma proposta bastante recomendável, desenhando um subtil mapa de experiências e memórias e captando com sensibilidade detalhes das relações amorosas, familiares e sociais, evitando ainda cair na formatação e previsibilidade de um anódino "filme de prestígio". Uma das boas estreias recentes.

E O VEREDICTO É: 3/5 - BOM

FERA FERIDA

2007-11-04T22:11:00.000Z

Pobre Milla Jovovich. É esta a ideia que fica depois de visto ".45", o mais recente filme que protagoniza, e que prova que ainda não é desta que a modelo tornada actriz consegue um papel que a confirme como uma certeza da sétima arte.
É certo que o seu currículo inclui a participação em obras de Richard Linklater, Spike Lee ou Wim Wenders, embora nos últimos anos as suas escolhas tenham incidido em títulos pouco aliciantes como "Resident Evil" ou "Ultravioleta", que lhe oferecem pouco espaço para demonstrar o seu talento interpretativo.

".45", estreia na realização do norte-americano Gary Lennon, poderia ser um ponto de viragem na sua carreira, já que lhe pede que faça mais do que contracenar com explosões e efeitos especiais, sendo um drama urbano com potencial, mas é pena que arranque mal e nunca consiga melhorar.

Jovovich encarna Kat, a atraente e carismática namorada de um respeitado traficante de droga, Big Al, e tudo lhes corre bem até ao momento em que as constantes crises de ciúmes ameaçam dinamitar a relação. Juntando desconfianças sobre a infidelidade da sua companheira e muito álcool, Big Al adopta um comportamento cada vez mais agressivo, passando do insulto verbal à violência física, e deixa Kat numa encruzilhada sobre o seu futuro.

".45" começa com um misto de irreverência e tentativa de provocação, apresentando personagens feias, porcas e más, ainda que supostamente cool, que disparam diálogos carregados de palavras pouco simpáticas. Nada contra, afinal nem todos os filmes têm que focar gente adorável, o problema é que não é Tarantino nem Scorsese quem quer, e Gary Lennon não constrói mais do que personagens caricaturais, sem a espessura emocional que as torne interessantes.

Isto até poderia funcionar se o argumento do filme fosse minimamente criativo e surpreendente, e se por vezes até acaba por sê-lo, é só pelos piores motivos. A protagonista passa de mulher de armas a menina desprotegida, vítima das circunstâncias, e ".45" aproveita a oportunidade para se transformar num panfleto contra a violência doméstica, apelando a que as mulheres não hesitem na denúncia dos horrores que sofrem em privado.
O propósito poderá ser nobre, já o modo como é trabalhado não vai além dos vícios de telefilme "caso-da-vida", e nem as cenas de nudez (algo desnecessárias) nem o misto de ficção e reportagem (através dos depoimentos das personagens de frente para a câmara) fazem com que o produto final seja mais arrojado.

Filme de auto-ajuda disfarçado de retrato realista, cruel e visceral do quotidiano em bairros "perigosos" de Nova Iorque, ".45" até acaba por trair as suas boas intenções quando a protagonista adopta atitutes não muito menos condenáveis do que as do namorado. Pelo menos a "mensagem" que Lennon passa é a de que na vida vale tudo, desde que feito em nome da emancipação feminina, num testemunho de girl power que até faria corar de vergonha as Spice Girls.

Na recta final do filme há ainda espaço para o twist mais previsível do ano - mal preparado, mesmo, e revelado numa cena anterior -, resultado de um conjunto de sequências inverosímeis que infelizmente pretendem ser levadas a sério.
No meio disto os actores pouco podem fazer, e se Angus MacFadyen é um Big Al canastrão, Stephen Dorff e Sarah Strange ainda são capazes de injectar alguma consistência às suas personagens, mais do que a que ".45" merece. Milla Jovovich também se esforça, e chega a gritar muito em cenas "chocantes" que, contudo, se habilitam a causar pouco impacto já que a sua personagem insiste em não gerar empatia. Como este pouco auspicioso filme, de resto.

E O VEREDICTO É: 1/5 - DISPENSÁVEL

WINDOWS 2007

2007-11-04T16:50:00.000Z

Espectáculo que recorre a 4 artistas de várias áreas diferentes, "Window" junta Mônica Coteriano (dança/voz/textos), Tó Trips e Pedro Gonçalves - os Dead Combo -(música) e André Gonçalves (multimédia).

Em causa está uma reflexão em torno do conceito de janela que ora oferece momentos cantados ou de spoken word, pequenos devaneios espirituosos e muita imaginação na forma como são aproveitados os dois painéis do palco, resultando numa criativa conjugação de som e imagem.

Uma das iniciativas do Festival Temps D'Images a descobrir esta noite pelas 21h30 no Teatro Maria Matos, em Lisboa.

UM FILME PARA ACORDAR O PASSADO

2007-11-02T23:32:00.000Z

Um dos temas recorrentes de parte do cinema português dos últimos anos é o do passado recente do país, em particular questões relacionadas com o antigo regime, exploradas em títulos como "Inferno" ou "20,13", de Joaquim Leitão; "Os Imortais", de António-Pedro Vasconcelos; "Capitães de Abril", de Maria de Medeiros; ou "Preto e Branco", de José Carlos de Oliveira, entre outros.

"Julgamento", de Leonel Vieira, também volta a mexer em algumas feridas eventualmente por sarar, uma vez que no centro dos acontecimentos estão reminiscências de torturas efectuadas pela PIDE a alguns dos protagonistas, obrigando-os a lidar com fantasmas de uma outra época que regressam através de um reencontro inesperado.

Ao assistir a um julgamento em que a sua filha participa como advogada de defesa, Jaime, um professor universitário de meia idade, reconhece no arguido traços de um agente da PIDE que o torturou nos seus tempos de jovem antifascista, e que terá sido um dos responsáveis pela morte de Marcelino, um dos seus melhores amigos.

A revolta que acumulou ao longo dos anos encoraja-o a procurar respostas e a fazer justiça pelos seus próprios meios, e assim rapta o suposto ex-agente e leva-o para a sua casa de campo, onde as regras do jogo são agora ditadas por si. Esse confronto torna-se ainda mais conturbado quando a filha de Marcelino, com quem mantém uma relação, e dois amigos de longa data também alvo da acção da PIDE, acabam por ter conhecimento do rapto e reagem de modo díspar e hesitante, gerando um problema legal e moral de difícil resolução.

Desdobrando-se entre o thriller e o drama, "Julgamento" confirma o eclectismo estilístico de Leonel Vieira, que aqui apresenta um filme nos antípodas da comédia de "A Bomba", do romance de "A Selva" ou do olhar sobre a juventude urbana de "Zona J".
De tom menos ligeiro do que alguns desses títulos, mergulha num retrato geracional de forma mais densa e madura do que se esperaria, evitando as tentações de algum cinema assumidamente comercial que se faz por cá - não há por aqui overdoses de cenas de sexo gratuitas, linguagem censurável ou violência despropositada.

Tecnicamente, Vieira mantém a eficácia pela qual já se havia distinguido, apostando numa realização fluída e dinâmica, mas não epiléptica, num apurado trabalho de fotografia e iluminação e numa banda-sonora capaz de sugerir tensão sem resvalar para picos dramáticos insuflados.

O argumento exibe algumas semelhanças com o de "A Noite da Vingança", de Roman Polanski, que também era marcado por fortes contornos políticos (nomeadamente ditatoriais), onde uma vítima raptava o seu suposto torturador, ainda que "Julgamento" esteja longe de ser um exercício copista, conseguindo definir personagens e ambientes próprios.

Por vezes o debate interno do protagonista é previsível e o de algumas das outras personagens fica por explorar com um grau de complexidade mais acentuado, mas o filme está uns degraus acima de um mero objecto panfletário pronto a despertar consciências, contando com figuras adequadamente ambíguas e credíveis. Também era difícil não o fazer tendo em conta o elenco, sem dúvida um dos mais consistentes vistos numa película portuguesa nos últimos tempos, que concentra uma galeria de veteranos como Júlio César, José Eduardo, Carlos Santos e Henrique Viana, este no seu último papel.

Todos oferecem fortes interpretações, embora Júlio César talvez seja o que mais impressione uma vez que a sua personagem, a protagonista, é a que permite maior versatilidade. Alexandra Lencastre confirma as sólidas impressões que os seus últimos trabalhos têm reforçado, sobretudo os que fez com Fernando Lopes ("O Delfim", "Lá Fora"), e Fernanda Serrano não compromete num papel que poderia ter mais relevo.

"Julgamento" poderá não ser ainda o filme que levará a que Leonel Vieira seja considerado um "autor" pelos seus detractores, mas é um digno exemplo de cinema que tem em vista o grande público sem prescindir de uma abordagem inteligente às questões que foca, servindo-a com uma profissionalíssima embalagem industrial. Caso raro tanto em filmes portugueses como estrangeiros, e que por isso mesmo impõe que este seja saudado, visto e divulgado.

E O VEREDICTO É: 3/5 - BOM

TECHNO MINIMAL NUMA NOITE ESPECIAL

2007-11-01T22:06:00.000Z

Na madrugada de hoje, a discoteca Lux, em Lisboa, teve uma sessão de Halloween diferente ao acolher Gui Boratto, produtor, compositor e DJ brasileiro cuja música não podia estar mais distante do cardápio sonoro habitual no dia das bruxas.

Não que isso tenha sido uma condicionante, pelo contrário, já que não foram poucos os que quiseram dançar ao som de "Chromophobia", o disco de estreia do músico, gerando uma enchente impressionante e longas filas à porta do espaço, onde mesmo durante a actuação muitos aguardavam ainda a entrada.

Um dos nomes mais fortes da Kompakt, editora alemã que tem dado cartas na área da música de dança, em particular do techno minimal, Gui Boratto conta já com 10 anos de percurso como produtor, durante os quais colaborou com figuras tão diferentes como Manu Chao, Chico Buarque, Des'ree ou Garth Brooks.
Esses trabalhos pouco ou nada têm a ver, contudo, com os que faz hoje, alicerçados numa electrónica engenhosa e subtil, simultaneamente dançável e contemplativa, recheada de pormenores mas com um apelo melódico directo.
Singles como "Arquipélago" ou "Like You", assim como remisturas para temas da banda-sonora do filme "Cidade de Deus", de Fernando Meirelles, concederam-lhe uma aura de respeito que o disco de estreia consolidou, sendo uma das edições mais entusiasmantes do ano.

No set que apresentou nesta madrugada, Boratto voltou a demonstrar os seus méritos em cerca de duas horas onde desfilaram não só composições de "Chromophobia" mas também algumas dos EPs que lançou antes.

Ao vivo a maioria dos temas adquiriu uma vertente mais funcional e por vezes abrasiva do que o que pode ouvir-se nos discos, onde o apelo dançável surgiu mais pronunciado e o techno nem sempre foi minimal, optando a espaços por um maior dinamismo e aceleração. Esta opção impediu que o alinhamento fosse tão ecléctico como o do álbum de estreia do DJ, uma vez que não incluiu, por exemplo, nenhum dos episódios de tons mais ambientais, embora no geral Boratto tenha dado uma prova de eficácia, sabendo como animar a expectante multidão que preenchia toda a pista de dança e que não parou enquanto as canções se foram sucedendo.

Não por acaso, as de "Chromophobia" foram que resultaram melhor, recebidas com recorrentes aplausos e gritos, em especial a mecânica e incisiva "Gate 7" ou a reluzente "Beautiful Life", um dos raros casos que se desviou do techno para se aproximar das fronteiras de uma pop encantatória e imediata.

Suficientemente hipnótico e pulsante, este set de Gui Boratto contribuiu para reforçar o estatuto de rapaz-prodígio que muitos lhe têm concedido, dando bons motivos para que os seus passos continuem a ser acompanhados pois o melhor ainda poderá estar para vir.

E O VEREDICTO É: 3/5 - BOM

MÚSICA BRASILEIRA PARA O HALLOWEEN

2007-10-31T00:01:00.000Z

Quem quiser sair de casa a altas horas no dia das bruxas pode dançar ao som do paulista Gui Boratto, que estará no Lux nesta quarta-feira, e embora a sua música não seja assustadora, ao contrário da de inúmeros "artistas" brasileiros mais disseminados, é uma proposta a ter muito em conta.

O compositor/músico/produtor/DJ/etc brasileiro é um dos rapazes-prodígio do techno minimal e um dos trunfos da editora alemã Kompakt, cujo álbum de estreia, "Chromophobia", editado este ano, conseguiu convencer até os menos aficionados do (sub)género (como eu, que o tenho há meses como disco de cabeceira).

O single "Beautiful Life" não é muito representativo do que o álbum tem para oferecer, mas não deixa de ser um bom aperitivo:

Gui Boratto - "Beautiful Life"

10 BLOGUES, 5 FILMES, 1 REALIZADOR

2007-10-30T20:01:00.000Z

A tabela de estrelas de Outubro, via Knoxville, cujo realizador em destaque foi M. Night Shyamalan. As opiniões dividiram-se, mas acho que "The Village" é de longe o melhor, embora o massacrado "Lady in the Water" também não desmereça.
Aproveito para deixar aqui também as estreias que vi mas que não foram escolhidas, assim como outros filmes vistos no cinema ou em casa este mês:

Estreias:

".45", Gary Lennon - 1/5
"Ils", David Moreau e Xavier Palud - 4/5
"Julgamento", Leonel Vieira - 3/5
"The Breakup Kid", Bobby Farrelly e Peter Farrelly - 2/5

Outros:

"Choses Secrètes", Jean-Claude Brisseau - 2/5
"Dark City", Alex Proyas - 3/5
"Midnight Cowboy", John Frankenheimer - 3/5
"Morvern Callar", Lynn Ramsey - 1/5
"O Ano em que os Meus Pais Partiram de Férias", Cao Hamburguer - 3/5
"Peggy Sue Got Married", Francis Ford Coppola - 2/5
"Personal Velocity: Three Portraits", Rebecca Miller - 2/5
"Pierrot Le Fou", Jean-Luc Godard - 1/5
"Saneamento Básico", Jorge Furtado - 3/5

AS ÚLTIMAS ONDAS

2007-10-29T23:21:00.000Z

Nos últimos dias dediquei um post ao disco e outro ao concerto dos Micro Audio Waves, e como às vezes não há dois sem três fica aqui mais um dedicado ao trio, desta vez com a entrevista que lhes fiz na semana passada. Que me desculpe quem não simpatiza com a banda, mas como não há muitos projectos nacionais que me tenham impressionado em 2007 acho que este merece a dose tripla:

Entrevista aos Micro Audio Waves

TEIAS E MUTANTES

2007-10-28T23:58:00.000Z

Já aqui falei do Festival Internacional de Banda Desenhada da Amadora, a decorrer até dia 4 de Novembro, embora só neste fim-de-semana lá tenha ido sem ser em trabalho - ou melhor, teve que ser assim depois da câmara e microfone me terem pregado partidas, por isso nada de entrevistas ao Manara e outros autores, mas adiante.

Ainda sou capaz de lá voltar, já que houve pouco tempo para explorar em condições tudo o que havia nas bancas, e por isso só trouxe duas recordações:

Finalmente vou conseguir saber se o hype Josh Whedon no universo X é justificado (não tenho paciência para a a Buffy mas gostei de "Serenity");

O Aranha e o Miller no mesmo livro, parece-me bem, e desconhecia que o autor de "Sin City" tinha iniciado o seu percurso nos comics com o sobrinho da tia May.

E espero não voltar a cair no vício de comprar BD de super-heróis regularmente, foram necessários muitos anos para o largar e a carteira agradeceu...

ROCK IT 2NIGHT!

2007-10-27T22:36:00.000+01:00

Faltavam cerca de dez minutos para a uma da manhã quando Cláudia Efe, Flak e C. Morg, mais conhecidos como Micro Audio Waves, iniciaram o concerto no MusicBox, em Lisboa, com quase uma hora de atraso que pareceu ter passado despercebida para grande parte do público, que até aí se entreteve com copos, música ambiente e conversas várias. Mas mesmo os que deram pelo atraso terão "perdoado" o trio - acompanhado por mais dois elementos - logo aos primeiros minutos de actuação, já que o grupo entrou em palco com "At the Age of Five", um dos melhores temas de "Odd Size Baggage", o seu terceiro registo de originais.

Para além de ser uma canção hipnótica e servir como brilhante introdução para o espectáculo, foi apresentada numa versão consideravelmente diferente da do disco, onde a bateria ganhou protagonismo e ajudou a implementar uma cadência mais enérgica e dançável. Esta situação não foi, de resto, caso único, já que a maioria dos temas do concerto surgiram com alterações face ao que se conhecia dos discos, não sendo meros decalques mas antes repensadas para melhor se adaptarem a um formato ao vivo.

Esta foi sem dúvida uma grande mais-valia, mostrando uma vertente mais orgânica da banda, pois embora a presença da electrónica tenha sido uma constante não o foi tanto como em disco, dando lugar a recorrentes devaneios de guitarra e bateria, esta última o elemento responsável pela força rítmica da maioria dos temas (a remeter para alguns territórios dos Moloko ou dos Spektrum).
A considerável rudeza instrumental, distante da sofisticação e sobriedade registadas nos álbuns, fez com que a voz de Cláudia Efe ficassse por vezes submersa no meio de momentos de descarga, mas isso não impediu que os Micro Audio Waves tenham gerado um concerto sem episódios menores, mantendo um perfeito domínio do ritmo e uma notável coesão.

Mesmo as canções menos interessantes de "Odd Size Baggage" ganharam aqui vida nova, caso de "Future Smile", que conseguiu cativar numa versão mais acelerada (e onde, mais uma vez, a bateria foi fulcral), ou "Curl Like a Cannonball", cujas imponentes camadas de distorção dos momentos finais foram um curioso contraponto à carga contemplativa inicial.

"Down by Flow" provou ser um single já bem conhecido pela maioria do público presente, não sendo poucos os que acompanharam a vocalista no refrão, e "2night (U & I)" parece seguir-lhe os passos pelas boas reacções que despoletou, levando muitos a dançar ao seu ritmo frenético.

Melhor ainda foi "Odd Size Baggage", o grande momento da noite, que resultou numa excelente centrifugadora de ruído tornado melodia, mais uma vez com um irrecusável apelo dançável. "Fully Connected", disparado logo a seguir, ofereceu competição à altura e também apareceu com texturas mais agressivas do que em disco, e outros temas como "Escape From Albania" mantiveram o alto nível de intensidade. No extremo oposto, "Shadow of Things" ou "Long Tongue" enveredaram por ambientes mais apaziguados e igualmente cativantes, mas não demorou muito para que a agitação voltasse a tomar conta do palco e dos espectadores.

Se "Odd Size Baggage" fora já um passo em frente para os Micro Audio Waves, a julgar pelo que demonstram em concertos como este terão avançado mais dois ou três, corrigindo alguns desequilíbrios que impediram que todo o disco estivesse à altura de uma série de momentos acima da média.

Para além de estetas exigentes em álbum, baseados num sólido domínio da electrónica, convencem ainda pela crueza e visceralidade rock que exibem ao vivo, e o mínimo que se pode dizer para resumir o espectáculo é que terá sido seguramente o melhor shot de adrenalina da noite, e nada indigesto.

E O VEREDICTO É: 4/5 - MUITO BOM

FEBRE (AMARELA) DE SÁBADO À TARDE

2007-10-27T08:28:00.000+01:00

Neste fim-de-semana, o canal AXN inaugura a Zona Animax, dedicada à animação nipónica (aka Anime), que vai passar a preencher a programação dos inícios das tardes de sábado e domingo.

Hoje, a partir das 12h45, arrancam então seis(!) séries, a maioria inéditas por cá, e das quais apenas vi alguns episódios da bizarra e inclassificável "Excel Saga" e da curiosa "Trigun". As restantes são "OutlawStar", "Orphen", "Samurai Champloo" e "Inuyasha". Não vou poder ver nenhuma nem hoje nem amanhã, mas aceito recomendações.

(BOAS) ONDAS ELECTRÓNICAS

2007-10-25T22:55:00.000+01:00

Nos seus dois registos anteriores – o EP homónimo e o álbum “No Waves” – os Micro Audio Waves destacaram-se como um dos projectos nacionais mais ousados na abordagem à electrónica, encetando manobras de considerável experimentalismo que, aos poucos, foram adoptando contornos mais pop.
“Odd Size Baggage”, o mais recente disco, reforça essa aproximação ao formato canção, quase fugindo aos ensaios por vezes herméticos que dominaram os primeiros trabalhos, e ao fazê-lo torna-se no melhor cartão de apresentação que o trio de Cláudia Efe, Flak e C.Morg criou até agora.

É certo que o grupo tinha já algumas composições interessantes, como o single “Fully Connected”, que lhes rendeu elogios de gente como o guru John Peel, embora não as suficientes para evitar que os seus discos fossem mais esboços de ideias do que a concretização destas. “Odd Size Baggage” não está ainda imune a desequilíbrios, mas exibe maior consistência, uma personalidade mais vincada e demonstra que os Micro Audio Waves parecem ter encontrado uma linguagem própria, devidamente expressa num estimulante conjunto de canções.

Versátil e imaginativo, o álbum apresenta alguma da melhor electrónica feita nos últimos tempos, interligando-a com passagens pelo rock ou R&B e equilibrando momentos de apelo dançável com episódios de tranquilidade e placidez. Da elegância de uma produção milimétrica, que traduz bom gosto e contemporaneidade, ao carisma de Claudia Efe, cuja voz é capaz de seduzir seja em estados mais frágeis ou austeros, “Odd Size Baggage” é, em vários momentos, um atestado de segurança e maturidade, pop nacional do melhor que se fez este ano.

A comprová-lo estão canções como “2night (U&I)”, que transpira intensidade e incita à festa; o spoken word visceral da faixa-título, impressionante devaneio centrado na letra de um manual de instruções para um computador; “At the Age of Five”, com um contagiante electro cru e cerebral; “Shadow of Things”, um belo interlúdio contemplativo; ou “Down By Flow”, um óptimo single onde Efe se encosta a uma Róisín Murphy no seu melhor.

Tivesse apenas estes temas e “Odd Size Baggage” seria um brilhante EP, mas tem o dobro e resulta num disco nem sempre tão inspirado, e que até demora a arrancar, já que as três primeiras canções do alinhamento são as menos apelativas, onde o experimentalismo se sobrepõe à pop e os Micro Audio Waves saem a perder. O instrumental “Russian Connection”, mais à frente, também não é especialmente marcante, e o facto de ser dos momentos mais longos volta a quebrar a coesão de um álbum que, de resto, tende a viciar e confirma a criatividade de uma banda em evidente estado de progressão.

E O VEREDICTO É: 3/5 - BOM

Os Micro Audio Waves actuam esta sexta-feira no MusicBox, em Lisboa, antes dos DJ sets de Richard Dorfmeister e Mike Stellar. O espaço abre às 22 horas.

Micro Audio Waves - "Down by Flow"

ESTREIA DA SEMANA: "O ESCAFANDRO E A BORBOLETA"

2007-10-25T14:33:00.000+01:00

Depois de "Antes que Anoiteça", Julian Schnabel regressa com "O Escafandro e a Borboleta" (Le Scaphandre et le Papillon), mais uma obra inspirada num caso real e com um protagonista numa situação-limite. Desta vez, o realizador segue o jornalista Jean-Dominique Bauby, que ficou paralizado após um AVC e conseguia apenas mexer um olho, a sua única forma de comunicar com terceiros.

Se é verdade que "Mar Adentro" já enveredou por temática próximas há pouco tempo, diz quem viu que aqui a abordagem é distinta, mas não menos conseguida. Mathieu Amalric e Emmanuelle Seigner são os dois nomes centrais deste filme que deu a Schnabel o prémio de Melhor Realizador na última edição de Cannes.

Outras estreias:

"A Outra Margem", de Luís Filipe Rocha
"Ao Anoitecer", de Lajos Koltai
"Bratz, O Filme", de Sean McNamara
"Os Seis Sinais da Luz", de David L. Cunningham
"Rescue Dawn - Espirito Indomável", de Werner Herzog
"Resident Evil 3: Extinção", de Russell Mulcahy
"Terra de Cegos", de Robert Edwards

Trailer de "O Escafandro e a Borboleta"

CELEBRAR A NONA ARTE

2007-10-23T21:44:00.000+01:00

A edição deste ano do Festival Internacional de Banda Desenhada da Amadora arrancou na passada sexta-feira e decorre no Fórum Luís de Camões até 4 de Novembro (subdividindo-se por outros espaços da cidade).
Como habitual, por lá há exposições de autores de vários estilos e origens, lançamentos de novas obras nacionais e internacionais, conferências e sessões de autógrafos com artistas convidados ou projecções de filmes de animação, entre outros motivos de interesse.

As 100 bandas-desenhadas do século, Salazar, Astérix ou Milo Manara (um dos autores presentes no evento) são alguns dos destaques na 18ª edição do festival, este ano apropriadamente dedicada ao tema da Maioridade.

Eu e o Eduardo Santiago já lá fomos e recomendamos:

FUNDO DE CATÁLOGO (5): 808 STATE

2007-10-23T01:38:00.000+01:00

Nome indissociável da música de dança de finais de 80/ inícios de 90, os britânicos 808 State foram um dos projectos que lançaram as bases para aquilo que viria a ser reapropriado por novas bandas da classe de 00 e catalogado como new rave.
"In Yer Face", apesar de datado, ainda hoje é um single capaz de agitar qualquer pista de dança, tendo ficado como um dos mais emblemáticos do trio de Manchester. Incluído no seu terceiro disco, "Ex:El", de 1991, é agora recordado no videoclip ali ao lado.

Ainda estou para perceber quem diz que grupos como os Klaxons ou os New Young Pony Club têm alguma coisa a ver com isto...

808 State - "In Yer Face"

IDENTIDADE (FINALMENTE) CONHECIDA

2007-10-21T16:59:00.000+01:00

Do cinema de acção não têm chegado grandes surpresas nos últimos anos, mas o nome Jason Bourne já começa a ser familiar dentro dos (anti-)heróis do meio recentemente instituídos, e que em "Ultimato" (The Bourne Ultimatum) vive a sua terceira aventura após "Identidade Desconhecida" (2002) e "Supremacia" (2004). À saga regressa o protagonista, Matt Damon, e o realizador que assinou o segundo episódio, Paul Greengrass (o primeiro esteve a cargo de Doug Liman), assim como se recuperam os ambientes de espionagem e conspiração governamental que têm orientado o seu desenvolvimento.

Greengrass, por vezes interessante (como no docudrama "Voo 93"), noutras nem por isso ("Domingo Sangrento"), volta aqui a recorrer ao tipo de realização pelo qual se tem distinguido, apostando no método da câmara ao ombro, com planos curtos, montagem acelerada e muitos close ups, recusando quase sempre a pirotecnia vistosa a favor de uma colagem à pele das personagens, desenhando um estilo tenso e claustrofóbico.

O resultado oferece algumas sequências conseguidas, mais frenéticas e intensas do que as da maioria da concorrência, construindo um caos ordenado que se distingue dos golpes fáceis de uma realização ao estilo videoclip. É certo que, por vezes, essa efervescência pode descoordenar o espectador, que por mais que se concentre não tem tempo de se aperceber do que está de facto a ocorrer em algumas cenas de perseguição ou tiroteio, mas no geral Greengrass comprova saber o que está a fazer e conduz o filme com mão segura, nunca deixando que este caia na monotonia.

"Ultimato" não desilude nas injecções de adrenalina, já no argumento o balanço é mais irregular, caíndo numa abordagem algo genérica e superficial, não inserindo grandes novidades. O que há, como nos títulos antecessores, é um ponto de partida minimamente capaz de desencadear mais uma história do gato e do rato, e Greengrass precocupa-se mais com o estilo e a energia das sequências de acção do que com as motivações e singularidades das suas personagens, mantendo a frieza emocional que tem contaminado a saga.

A profundidade que daqui emana a espaços provém mais do empenho dos (óptimos) actores do que da escrita dos seus papés, e é pena que num filme que por vezes consegue entusiasmar com cenas de perseguição realistas e tridimensionais não se esforce por dar a mesma substância aos seus protagonistas.
Sobretudo nesta terceira parte da saga, que conclui o que se desenvolveu nos anteriores, era importante conceder maior densidade a Jason Bourne, aqui na procura dos responsáveis pela sua transformação num agente (e assassino) da CIA. Os medos e inquietações do espião em relação à descoberta do seu passado do qual não se lembra são alvo de foco regular, o problema é que a sua exploração é pouco imaginativa, nunca atingindo uma tensão dramática especialmente memorável.

A questão da identidade é um tema nuclear da saga, no entanto nunca se torna tão intrigante como os bons momentos de suspense que frequentemente dominam a narrativa, não deixando que "Ultimato" saia do campo do thriller engenhoso, cerebral e clínico, mas assente em personagens que não geram muita empatia.
O maior exemplo desta situação é a inconsequência da "revelação" final, onde Bourne tem acesso à verdade sobre o seu processo de recrutamento e só se confirma que não há grandes motivos para o espectador se colocar mais do lado dele do que dos seus antagonistas.

E daí, talvez aquilo que Greengrass proporciona aqui até já seja mais do que se deveria pedir, se se tiver em conta que não são todos os blockbusters que conseguem prender a atenção ao longo de quase duas horas. Se a isto se adicionarem três ou quatro sequências de antologia, melhor ainda - a da perseguição ao jornalista britânico na estação de comboio durante a hora de ponta, logo no início, e sobretudo a dos tiroteios num bairro pobre de Tânger são excelentes exemplos do melhor cinema de acção.

E depois há ainda um elenco que, além de um Matt Damon cada vez mais confortável na pele de espião angustiado, conta ainda com secundários de luxo como David Strathairn, Joan Allen e a promissora Julia Stiles.
Só é pena que o tal argumento sisudo não conte com as qualidades dos de outros filmes de acção recentes, como o sentido de humor de "Die Hard 4.0 — Viver ou Morrer" ou o romantismo do surpreendente "007 — Casino Royale", e embora isso faça com que "Ultimato" não ascenda ao nível desses não o impede de ser um título a ter em conta para os fãs do género.

E O VEREDICTO É: 3/5 - BOM

FIM-DE-SEMANA BRASILEIRO

2007-10-19T22:48:00.000+01:00

Arrancou hoje a 2ª Mostra de Cinema Brasileiro, que até domingo ocupa as salas do São Jorge, em Lisboa. A programação deste ano incide sobretudo nas obras de Daniel Filho e Jorge Furtado, que juntamente com Glória Pires constituem o núcleo de convidados do evento.
Três filmes do primeiro, que incluem a actriz no elenco, estão em destaque amanhã - "A Partilha", "Se Eu Fosse Você" e "O Primo Basílio" -, mas os que mais me interessavam eram os de Furtado, de quem tinha visto o muito recomendável "O Homem que Copiava". Agora só consegui apanhar "Saneamento Básico", o seu (divertido) novo filme, por isso "Houve Uma Vez Dois Verões" e "Meu Tio Matou um Cara" terão que ficar, infelizmente, para a próxima.
Entretanto no domingo passa, entre outros, "O Ano em que os Meus Pais Partiram de Férias", de Cao Hamburguer, o concorrente brasileiro aos Óscares 2008 na categoria de Melhor Filme Estrangeiro, que é capaz de valer a pena.

Apesar de hoje não ter tido tempo de ver os dois filmes de Jorge Furtado que me faltavam, eu e a Inês Gens conseguimos sacar-lhe umas palavras na sessão especial de quinta-feira à noite, que deixo aqui em baixo. Também falámos com Daniel Filho e Glória Pires, neste vídeo.

Entrevista ao realizador Jorge Furtado

ESTREIA DA SEMANA: "AS CANÇÕES DE AMOR"

2007-10-18T10:07:00.000+01:00

Christophe Honoré intrigou-me em "Minha Mãe", interessou-me mais no superior "Em Paris" e agora convenceu-me plenamente em "As Canções de Amor" (Les Chansons d'Amour), um belo musical alicerçado num jovem triângulo amoroso criado e destruído na Paris dos dias de hoje.
É um dos grandes filmes do ano, para o qual contribui, claro, a igualmente recomendável banda-sonora composta por Alex Beaupain e interpretada pelos actores - entre estes constam Louis Garrel, Ludivine Sagnier ou Chiara Mastroianni (crítica ao filme aqui).

Honoré e Garrel passaram por Lisboa a propósito da ante-estreia do filme na Festa do Cinema Francês e eu e o Eduardo Santiago falámos com eles. A reportagem pode ser vista no vídeo que está aqui em baixo.

Outras estreias:

"A Estranha em Mim", de Neil Jordan
"El Cantante", de Leon Ichaso
"Eles", de David Moreau e Xavier Palud
"Um Azar do Caraças", de Judd Apatow, o realizador de "Virgem aos 40 Anos"

Entrevista a Christophe Honoré e Louis Garrel

OUTRA ESTREIA: "ELES"

2007-10-18T10:02:00.000+01:00

Uma proposta no mínimo surpreendente, este pequeno filme de evidente baixo orçamento mas considerável engenho e solidez. É certo que obras de terror ambientadas em casas assombradas estão longe de ser novidade, mas "Eles" (Ils) prova que esse ponto de partida pode ainda revelar-se muito funcional, haja imaginação e domínio dos mecanismos do suspense.

David Moreau e Xavier Palud parecem tê-los, já que esta história de um jovem casal francês cuja mansão isolada, nos arredores de Bucareste, é subitamente invadida durante a noite, contém uma competentíssima gestão do ritmo e nunca deixa o espectador (nem as personagens) parar para respirar ao longo de quase hora e meia. Se o argumento nada traz de novo, “Eles” surpreende pela apropriada realização, onde a câmara à mão é mais do que um recurso estilístico e reveste-se de inegável eficácia.

O filme instala o medo sem recorrer a um grama de gore e torna-se ainda mais convincente pelo facto do espectador ter acesso à mesma informação que os dois atormentados protagonistas, só ficando a conhecer o que os ameaça nos momentos finais. Estes são talvez os menos bem arquitectados, e a legenda explicativa após a última cena era dispensável, mas até aí “Eles” consegue ser uma experiência asfixiante e um dos melhores filmes de terror dos últimos tempos.

E O VEREDICTO É: 3,5/5 - BOM

25 ANOS DEPOIS

2007-10-16T00:58:00.000+01:00

Um quarto de século após a sua morte, Adriano Correia de Oliveira volta a ser lembrado através de um disco de homenagem onde músicos das gerações mais novas recontextualizam a sua obra. "Adriano Aqui e Agora - O Tributo", editado esta semana, é uma oportunidade para (re)descobrir o cantor de Coimbra que marcou a música portuguesa de intervenção (e não só) de há três décadas:

Estruturado por Henrique Amaro, o projecto convoca 14 músicos de géneros díspares e é um dos discos nacionais mais interessantes dos últimos tempos, nem sempre convincente mas com vários temas que merecem ser ouvidos - como os dos Micro Audio Waves, Nuno Prata, Ana Deus & Dead Combo, Vicente Palma (o filho de Jorge Palma, numa auspiciosa primeira gravação) e, sobretudo, o de Margarida Pinto, o preferido por estes lados (que prova que há vida depois do desapontante último álbum dos Coldfinger).

Deixo aqui uma opinião mais alargada acerca do tributo, e quem quiser saber mais sobre Adriano pode espreitar esta pequena biografia.

Fica aqui também a reportagem que eu e a Vera Moutinho fizemos acerca do disco, com comentários de Henrique Amaro e de alguns dos participantes na homenagem:

QUINTETO FANTÁSTICO

2007-10-15T00:43:00.000+01:00

O primeiro single, “Ice Cream”, foi já editado em 2005, mas o disco, “Fantastic Playroom”, só teve edição este ano, e apesar de ser pouco mais do que uma compilação de um EP e restantes singles entretanto editados – com escassos temas novos – é mais do que suficiente para colocar os londrinos New Young Pony Club na lista das boas estreias (em álbum) de 2007.

A par de nomes como os Klaxons ou ShitDisco, o quinteto tem sido associado (sobretudo pela imprensa britânica) ao movimento new rave, rótulo pouco consensual e que aqui – mais uma vez - nem fará muito sentido, já que o grupo, não obstante a óbvia vertente dançável, segue mais a linha de algumas referências new wave do que propriamente as de electrónicas enérgicas de inícios da década de 90.

Ritmicamente há por aqui ecos da escola Gang of Four (via baixo e percussão), com produção devidamente actualizada e próxima da de uns LCD Soundsystem, e a escrita das canções respira a mesma tendência irreverente e provocadora que tanto remete para os B52’s ou para a faceta mais festiva das Le Tigre.

Na verdade, ao escutar “Fantastic Playroom” é quase inevitável não pensar noutras referências, o que não chega a ser um problema já que os New Young Pony Club não parecem querer fazer mais do que um conjunto de canções apelativas, dinâmicas e com considerável carga viciante, onde o imediatismo não implica que se esgotem ao fim de um par de audições. E nesse aspecto são muito bem sucedidos, construindo um álbum que pode não ficar para a história mas que soa actual apesar da óbvia herança do passado e mantém mesmo, ao longo de todo o alinhamento, uma frescura invejável.

As primeiras faixas são, de resto, alguma da confeitaria pop mais saborosa do ano, desde “Get Lucky”, que marca logo uma contagiante cadência dançável, até “Jerk Me”, caso onde as letras insinuantes do grupo adquirem um carácter mais forte (o título da canção já o sugere e frases como Mark your sordid X on me confirmam-no), sendo devidamente acompanhadas por uma percussão e baixo repetitivos, impecavelmente conjugados com palmas, teclados e sintetizadores à Gary Numan (presentes noutros temas mas não de uma forma tão apurada como neste).

Os singles “Ice Cream” e “The Bomb” não lhes ficam atrás, sobretudo o segundo, que faz jus ao nome e é uma vibrante bomba prestes a incitar explosões numa pista de dança, sendo apenas superado por “Hiding on the Staircase”, talvez o momento mais alto do disco, cópia tão descarada quanto perfeita das Luscious Jackson no seu melhor.

Vertiginoso e por vezes imbatível durante a primeira metade, “Fantastic Playroom” desacelera na segunda e, talvez por isso, perde parte substancial do seu interesse, ficando-se por composições menos desafiantes.

Os coros do refrão de “The Get Go”, atípica canção onde a melancolia tem espaço, ainda permitem que esta supere a mediania, o que já não ocorre tanto na lacónica “Talking Talking” – a evocar atmosferas dos Cure - ou na pouco surpreendente “Grey”. Mais empolgante, “Fan” regressa à vertente pop da banda e pode deixar muitos a entoar I’m your F-A-N, M-A-N, e “Tight Fit” não destoaria num álbum de Gwen Stefani ou Madonna (fase “Confessions on a Dance Floor”), fechando o disco de forma eficaz ainda que sem a força dos primeiros temas.

Prejudicado por uma segunda metade menos consistente, “Fantastic Playroom” nunca chega a ser decepcionante nem tem maus momentos, mesmo que o grau de inspiração varie.
Um dos trunfos que se mantém sempre é Tahita Bulmer, vocalista cujo carisma emana tanto nos temas festivos como recatados, nos coros ou nos sussurros, consolidando grande parte da atitude descomplexada que sobressai nas canções da banda (e libidinosa q.b., expressa em sugestões como Second punch me with your love ou Let your girlfriend do what your boyfriend can’t).
A sua presença chega a lembrar a de Lovefoxxx, dos Cansei de Ser Sexy, responsáveis pelo party album mais convincente de 2006, categoria na qual os New Young Pony Club parecem vencer este ano com um primeiro disco carregado de muitas e boas proteínas dançáveis. Nem sempre é fantástico, mas nunca deixa de ser interessante.

E O VEREDICTO É: 3,5/5 - BOM

New Young Pony Club - "The Bomb"

VIRGENS AOS 17 ANOS

2007-10-13T21:30:00.000+01:00

Olhando apenas para o título, a sinopse e demais formas como "Super Baldas" (Superbad) tem sido promovido, julgar-se-ia que esta é mais uma banal comédia sobre e para adolescentes, assente nas mesmas piadas rasteiras que têm sido reaproveitadas em múltiplos derivados que brotaram como cogumelos depois do êxito de "American Pie - A Primeira Vez".

No entando, este filme até é menos devedor dessa saga teen criada por Paul Weitz do que dos trabalhos que o produtor Judd Apatow tem assinado, tanto para cinema como, e sobretudo, para televisão, ou não tivesse sido o realizador de "Virgem aos 40 Anos", comédia mainstream convincente q.b., e da série de culto "Freaks and Geeks", uma das melhores a abordar o universo da adolescência em muitos anos. Depois dessa, Apatow esteve na origem de outra, menos brilhante embora ainda meritória, "Undeclared", sobre um grupo de estudantes universitários, em que Greg Mottola colaborou como realizador e cuja influência se reflecte neste seu segundo filme.

Não é que "Super Baldas" não recorra, até com alguma frequência, a um humor algo alarve e grosseiro, mas distingue-se de inúmeros subprodutos ao evitar ser um mero cabide de gags pois conta com personagens e situações minimamente trabalhadas, onde a comédia nem sempre é disparatada e gratuita.

O filme centra-se nos últimos dias do liceu de dois losers, Evan, tímido e cauteloso, e Seth, desbocado e mais imaturo, que antes de irem para a universidade têm a missão de fornecer as bebidas (alcoólicas) a uma festa de final do ano lectivo. Como são menores de idade, têm de recorrer ao auxílio do único colega mais nerd do que eles, Fogell, cujo bilhete de identidade falso promete fazer maravilhas. Claro que nem tudo corre como esperado e, no meio de uma série de entraves, arriscam-se a ficar sem bebidas nem festa, cenário que ameaça aumentar a humilhação de que já são alvo habitual.

No meio de episódios conturbados com a polícia ou bêbados enraivecidos, o mais difícil para os dois protagonistas nem é tanto superar estes imprevistos mas fazer com que a amizade sobreviva, já que a noite lhes reserva também algumas revelações e verdades difíceis de digerir.

"Super Baldas" retrata eficazmente, e de forma divertida, situações típicas da amizade masculina na adolescência, assim como o despontar (ou, no caso, explosão) da sexualidade, para a qual contribuem muito os desempenhos de Jonah Hill e Michael Cera (conhecido pela aclamada série "Arrested Development"), duas jovens promessas com óbvio talento para a comédia. Christopher Mintz-Plasse, que tem aqui a sua estreia como actor na pele de Fogell AKA McLovin, não lhes fica atrás, e sai-se bem na tarefa de encarnar uma das personagens mais desconcertantes e irresistíveis do ano.

Vale a pena ver o filme para comprovar o empenho deste trio, mas é pena que noutros aspectos "Super Baldas" não seja tão conseguido, em particular nas cenas com dois polícias que redescobrem a rebeldia e cujo tempo de antena é excessivo, gerando os momentos de humor mais vulgares. Um dos agentes é interpretado por Seth Rogen (protagonista de "Um Azar do Caraças", o mais recente de Judd Apatow), que aqui assume também funções de co-argumentista e, ironicamente, desempenha uma das personagens menos interessantes.

Outro elemento que debilita o filme é a duração, que quase chega às duas horas e obriga a esticar o argumento com palha narrativa que suscita algum cansaço (reforçado pela realização indistinta e televisiva de Greg Mottola). O facto desta ser uma história já vista não seria problemático se o resultado fosse coeso, até porque há personagens para isso, mas há também demasiadas situações redundantes e supérfluas que não chegam a ser totalmente compensadas pelos muito inspirados minutos finais, onde se atinge uma densidade emocional inesperada (ou talvez não tanto, já que se aproxima da sensibilidade de Apatow em "Freaks and Geeks").

A última sequência, tão ambígua quanto tridimensional, é um achado que diz muito sobre o fim da adolescência e a entrada na idade adulta, e lamenta-se que "Super Baldas" não conte com muitas ao nível dessa, fazendo-se passar por mais um filme parvo (que não é). Assim fica-se com uma obra desigual, até um pouco frustrante tendo em conta o talento envolvido, embora plenamente satisfatória quando comparada com as restantes comédias (sobretudo juvenis) que costumam estar em cartaz.

E O VEREDICTO É: 2,5/5 - RAZOÁVEL

ESTREIA DA SEMANA: "JULGAMENTO"

2007-10-11T21:02:00.000+01:00

Filmes portugueses coesos e convincentes não são propriamente uma regra, e são menos ainda aqueles feitos a pensar no grande público que não caem em facilitismos como forma de chamariz. Surpreendentemente, "Julgamento" é um desses raros casos, reavivando memórias do antigo regime numa história bem desenvolvida e melhor interpretada, contando com um elenco que inclui Júlio César, Alexandra Lencastre, José Eduardo ou Henrique Viana (naquele que viria a ser o seu último papel).
Leonel Vieira pode não ser o realizador com a filmografia mais impressionante ("A Bomba", "Zona J", "A Selva"), mas neste caso o seu filme justifica sem dúvida o preço do bilhete.

E a propósito da estreia deixo aqui um vídeo, feito por mim e pela Vera Moutinho, com comentários do realizador e de dois actores, Júlio César e Fernanda Serrano.

Outras estreias:

"A Juventude de Jane", de Julian Jarrold
"A Vida Interior de Martin Frost", de Paul Auster
"Hora de Ponta 3", de Brett Ratner
"Invisível", de David S. Goyer
"O Reino", de Peter Berg

Comentários do realizador e actores de "Julgamento"

gonn1000 x 3

2007-10-08T23:59:00.000+01:00

Há precisamente três anos, iniciei o meu percurso na blogosfera com este blog, nessa altura ainda sem destino ou âmbito claramente definido mas que entretanto já parece ter encontrado um rumo próprio e temas mais ou menos regulares. Felizmente, tal como nos dois aniversários anteriores, posso dizer que tem sido uma aventura quase sempre estimulante, em parte pelo feedback que tenho recebido dos que por aqui vão ou foram passando. Obrigado então a todos e continuem a passar por aqui, já que também não tenciono parar tão depressa, e vão dizendo de vossa justiça :)

Como segunda-feira é mau dia para festas, deixo duas sugestões de literal bedroom dancing. A primeira é servida pelo Vitalic, "La Rock O1", que fez maravilhas na melhor cena do filme "0 Capacete Dourado". O videoclip é homemade e não-oficial (e fraquinho), mas a música compensa-o. A segunda, "Pogo", mais abaixo, fica a cargo dos Digitalism e oferece concorrência à altura. Enjoy ;)

(Vês, Knox, ainda foi antes da meia-noite :P)

Vitalic - "La Rock 01"

Digitalism - "Pogo"

(DES)ENCONTROS URBANOS

2007-10-08T23:00:00.000+01:00

"Coeurs" adapta para o grande ecrã a peça "Private Fears in Public Places", do britânico Alan Ayckbourn, transferindo a acção de Londres para Paris mas mantendo o seu elemento central, um olhar sobre as relações humanas - familiares, amorosas, laborais ou outras - no atribulado quotidiano de uma grande cidade contemporânea.
Alain Resnais já tinha recorrido a uma obra do dramaturgo como fonte inspiradora em "Fumar/Não Fumar", e agora volta a provar que essa base teatral não deixa de funcionar enquanto interessante matéria-prima cinematográfica, pelo menos quando abordada por si.

De facto, o filme está muito longe de ser um daqueles pastelões de teatro filmado, incorporando os elementos da peça - os únicos diálogos provêm das sete personagens (uma é apenas ouvida), as cenas decorrem todas em interiores -, e trabalhando-os com engenho e criatividade, usando-os não como uma limitação mas um desafio.

Embora os espaços onde se desenrola a acção sejam quase sempre os mesmos - as casas ou locais de trabalho das personagens -, Resnais filma-os com uma frescura sempre renovada, apresentando novos pormenores e explorando ao máximo as potencialidades dos impressionantes décors, com enquadramentos imaginativos, nunca caindo no entanto em exageros de esteta exibicionista.
A neve, elemento recorrente do início ao fim do filme, é outra ideia visual que reforça a mestria cénica, funcionando por um lado como metáfora para a frieza emocional que percorre as grandes metrópoles e como fonte catalisadora de uma aura poética que se entrecruza com o ambiente realista dominante.

Investindo nos modelos cada vez mais adoptados do filme-mosaico, "Coeurs" segue os (des)encontros de seis figuras que, para além do emprego (ou procura deste), pouco têm de certo nas suas vidas, o que os força a tentar encontrar pontos de fuga à solidão, seja através do refúgio no álcool, em anúncios em jornais ou no entretenimento televisivo.

Entre a comédia e o drama, o argumento flui com inteligência e sensibilidade, colocando em jogo os comportamentos humanos e as redes que vão estabelecendo, alicerçando-se em personagens suficientemente complexas. Contudo, ainda que todas sejam interessantes, algumas só ganhariam se fossem mais desenvolvidas, e o filme resultaria melhor se fechasse mais subenredos.

"Coeurs" não será a obra mais original, arrojada ou marcante de Resnais, mas o facto de ser um filme com tanto de pertinente como de agradável e de reunir um elenco em estado de graça - Sabine Azéma, Pierre Arditi ou Lambert Wilson, entre outros - já é mais do que muitos cineastas conseguem oferecer, e especialmente impressionante quando desenvolvido por um que atingiu já os 85 anos - uma idade respeitável, tal como este filme.

E O VEREDICTO É: 3/5 - BOM

Filme apresentado na 8ª Festa do Cinema Francês, a decorrer até dia 15 no Cinema São Jorge, em Lisboa

PROFUNDO AZUL

2007-10-07T18:09:00.000+01:00

Marie, magra e circunspecta, e Anne, obesa e imatura, são duas amigas de quinze anos cuja fisionomia está longe dos estereótipos de beleza seguidos pela maioria dos jovens com quem convivem, e que se coadunam mais com a figura esbelta e delicada de Floriane, não por acaso a adolescente mais disputada do bairro.
Invejada pela maioria das raparigas, esta acaba por gerar alguma cumplicidade com Marie, facultando-lhe o acesso às suas aulas de natação sincronizada em troca de ajuda para que os pais a deixem sair de casa (levando-os a pensar que estão juntas quando na verdade Floriane vai encontrar-se com o namorado).
De um regular ciclo de favores nasce uma relação de amizade que as marca de formas distintas: a Marie porque lhe permite conviver com alguém que admirava em segredo, a Floriane porque lhe garante uma confidente feminina que não almeja tomar o seu lugar.

Os contactos destas duas conhecidas tornadas amigas, assim como as reacções de Anne, são o cerne de "Naissance des Pieuvres", segura estreia na realização da francesa Céline Sciamma, que aqui deixa um atestado de maturidade neste relato do universo da adolescência feminina, partindo de personagens e situações reconhecíveis sem no entanto cair em domínios óbvios.
A realizadora oferece um envolvente estudo de personagens, seguindo os episódios quotidianos de três jovens para quem a infância ainda é um espaço recém abandonado e de difícil articulação com as obrigatoriedades que a adolescência lhes impõe, em particular a forma de se relacionarem com o despontar da sexualidade.

Debruçando-se sobre os fantasmas que nascem do modo como as personagens lidam com as mudanças do corpo, tanto em privado como em público - onde a piscina surge como território decisivo -, "Naissance des Pieuvres" incide também nos dilemas que moldam e influenciam a construção das suas personalidades, o que leva a que os laços de amizade sejam cada vez mais voláteis, ainda que dolorosos, sobretudo quando se confundem com outras emoções.

Céline Sciamma concede a esta história de auto-descoberta uma tridimensionalidade invejável, para a qual contribuem as muito convincentes interpretações do jovem trio de actrizes e uma atmosfera realista e intimista, fruto de um sóbrio trabalho de realização e fotografia.

Se a espaços o filme quase se perde em cenas demasiado contemplativas, compensa-as noutras com uma forte intensidade emocional e visual, de onde sobressaem os expressivos olhares das protagonistas ou a cuidada iluminação com frequentes (e hipnóticos) tons azulados.
A bela banda-sonora instrumental composta por Para One, uma das sensações da nova electrónica francesa, sedimenta a elegância cenográfica e ajuda a que algumas sequências remetam para a carga sensorial da obra de Sofia Coppola, embora Céline Sciamma também mostre o que Catherine Breillat poderia ter atingido em "Para a Minha Irmã!" se não tivesse o propósito de chocar. E assim apresenta uma primeira longa-metragem que surpreende pela maturidade demonstrada e deixa curiosidade quanto a futuros - e breves, espera-se - passos na realização.

E O VEREDICTO É: 3/5 - BOM

Filme apresentado na 8ª Festa do Cinema Francês, a decorrer até dia 15 no Cinema São Jorge, em Lisboa

Para One - "Finale"

TV SPOTTING

2007-10-06T13:14:00.000+01:00

Chamada de atenção para a sessão tripla de luxo desta noite no canal Hollywood: "O Candidato da Verdade", sólido thriller de Jonathan Demme, às 19h; a admirável obra-prima "Verão Escaldante", de Spike Lee, às 21h30; e a boa estreia na realização de Vincent Gallo, "Buffalo 66", à meia-noite. Para quem preferir cinema francês, a RTP2 propõe "Alice e Martin", competente drama de André Téchiné; e "India Song", fastidioso soporífero de Marguerite Duras.

FUNDO DE CATÁLOGO (4): ASH

2007-10-06T01:48:00.000+01:00

Consta que a banda irlandesa tem novo álbum, que ainda não foi ouvido por estes lados nem se aguarda com muita expectativa, ou não fosse este um grupo que vale mais pelos singles do que pelos discos. E mesmo no caso dos singles, há já alguns anos que os Ash não apresentam um que fique na memória, ao contrário do que aconteceu nos seus primeiros dias em que "Girl From Mars" ou "Jesus Says" os apontaram como promessas a seguir.
Tal como esses, também "Numbskull" (tema do álbum "Nu-Clear Sounds", de 1998) era uma das presenças regulares do saudoso programa "Alternative Nation", no tempo em que a MTV ainda merecia alguma atenção e podia ser considerada um canal de música. Uma canção portentosa com videoclip a condizer, a recordar aqui em baixo, mas pouco recomendável aos mais impressionáveis.

Ash - "Numbskull"

ESTREIA DA SEMANA: "PLANETA TERROR"

2007-10-04T20:05:00.000+01:00

Gajas. Motas. Zombies. Uma protagonista com uma metralhadora em vez de uma perna. Estes são alguns dos elementos, aliciantes talvez, de "Planeta Terror" (Planet Terror), a metade do projecto díptico "Grindhouse" que Robert Rodriguez concebeu com Quentin Tarantino.

Se "À Prova de Morte", o filme do autor de "Pulp Fiction", já tinha chegado cá no Verão, o do realizador de "Sin City - A Cidade do Pecado" só estreia agora, e tal como esse concorre para o lugar de experiência cinematográfica mais esgrouviada do ano.
Esta homenagem à série Z conta com um elenco encabeçado por Rose McGowan, Freddy Rodriguez (o Rico de "Sete Palmos de Terra") e Naveen Andrews (o Sayid de "Perdidos"). A ver com tremoços e cerveja.

Outras estreias:

".45", de Gary Lennon
"Estás Cada Vez Mais Frito, Meu!", de Steve Carr
"Fados", de Carlos Saura
"O Caminho do Guerreiro Pacífico", de Victor Salva
"O Mal Casado", de Bobby e Peter Farrelly

Trailer de "Planeta Terror"

3 AMANTES EM PARIS

2007-10-03T23:31:00.000+01:00

O musical, género cinematográfico considerado morto por alguns, tem nos últimos anos ressuscitado através de títulos tão díspares como "Moulin Rouge", de Baz Luhrmann, "Dancer in the Dark", de Lars Von Trier", ou "Hairspray", de Adam Shankman, entre outros, investindo tanto em formatos clássicos como mais extremos.
"As Canções de Amor" (Les Chansons D'Amour), o quinto filme do francês Christophe Honoré, é mais um exemplo da vitalidade que o género ainda vai exibindo ocasionalmente, recolhendo influências da obra de Jacques Demy (nomeadamente de "Os Guarda-Chuvas do Amor", de 1964) e recontextualizando-as num cenário parisiense contemporâneo, palco dos (des)amores de um grupo de jovens dos dias de hoje.

A música já tinha sido um elemento basilar no filme anterior do realizador, "Em Paris", em especial numa inesquecível cena onde Romain Duris ouvia uma canção de Kim Wilde no quarto ou numa outra onde cantava "Avan la Haine" ao telefone, mas em "As Canções de Amor" surge com uma relevância reforçada, uma vez que os vários momentos em que as personagens cantam são episódios fundamentais para a expressão das suas convulsões emocionais.

Embora a vertente musical seja forte, o filme não se resume, ao contrário de outros exemplos do género, a uma sucessão de números mais ou menos pomposos e impressionantes, antes investe numa sólida base dramática complementada por canções sóbrias e melancólicas. Compostos por Alex Beaupin, os temas seguem a tradição singer/songwriter e são interpretados pela maioria dos actores, abordando, tal como o filme, as dificuldades das relações humanas e nunca desvirtuando a atmosfera discreta e realista que domina a narrativa.

Dividido em três actos - a partida, a ausência e o recomeço -, "As Canções de Amor" começa por se centrar num triângulo amoroso que é destruído pela súbita morte de um dos jovens que o constitui. O filme segue depois as reacções dos outros dois, em especial as de Ismael, que ao tentar reconstruir a sua vida enceta várias relacionamentos sem superar, no entanto, a tragédia recente.
Tal como nos títulos anteriores de Honoré, o amor e a família voltam a ser elementos centrais, e o realizador constrói novamente uma história assente em personagens credíveis, onde os erros que fazem não as impedem de gerar empatia e apenas reforçam a sua verosimilhança.

A narrativa mantém a leveza de "Em Paris", contando com uma realização viva e imaginativa, mas não exibicionista, e o tom caloroso reforça a ideia de que Honoré deixou para trás os ambientes clínicos e inquietantes de "Minha Mãe". O que se recupera, e de forma cada vez mais madura, é um subtil olhar sobre as relações amorosas, que em "As Canções de Amor" se desdobram entre a monogamia e a poligamia, assim como pela hetero, bi e homossexualidade, sem que se enverede por qualquer tentativa de moralismo, irreverência juvenil ou choque gratuito.

O elenco reflecte o mesmo equilíbrio e inclui nomes confiáveis como Louis Garrel, habitué nas obras do realizador, que mais uma vez confirma ser um dos melhores jovens actores de hoje, epíteto que que também pode servir para Ludivine Sagnier, que tem aqui um dos seus desempenhos mais comoventes e memoráveis.
A presença - e voz - de Chiara Mastroianni ou Clotilde Hesme, em papéis secundários, sedimentam o afinco da direcção de actores, contribuindo para que o filme resulte num conjunto de grandes canções e interpretações. É o melhor de Honoré a chegar a salas nacionais e catapulta-o para a lista de cineastas obrigatórios do novo cinema francês, sendo também uma das experiências cinematográficas mais belas e contagiantes do ano. A ver - e ouvir - sem reservas.

E O VEREDICTO É: 4/5 - MUITO BOM

"As Canções de Amor" é o filme de abertura da 8ª Festa do Cinema Francês e estreia a 18 de Outubro

VIVE LA FÊTE!

2007-10-03T19:52:00.000+01:00

A 8ª Festa do Cinema Francês já chegou a Lisboa e até dia 28 passará por Évora, Coimbra, Almada, Faro e Porto, com 24 filmes inéditos por cá onde se incluem propostas entre a comédia e o drama, a animação e o documentário.
O São Jorge e o Instituto Franco-Português acolhem a inciativa na capital até dia 15, onde a Cinemateca recorda também o policial francês, indo da década 30 à de 90, e a RTP2 oferece uma programação especial com curtas e longas-metragens aos fins-de-semana.

A abertura fica a cargo do musical "As Canções de Amor", do cada vez melhor Cristophe Honoré ("Minha Mãe", "Em Paris"), hoje no cinema São Jorge, e quem não conseguir vê-lo aí pode - e deve - apanhá-lo numa sala a partir de dia 18, data da estreia nacional. Mais informações no site oficial.

A CASA DE CAMPO

2007-10-02T00:15:00.000+01:00

"Pintar ou Fazer Amor" (Peindre ou Faire L'Amour) é o primeiro filme dos irmãos Arnaud e Jean-Marie Larrieu a estrear em Portugal, e mesmo que chegue com algum atraso - data de 2005 e concorreu à Palma de Ouro em Cannes no mesmo ano - ainda vem a tempo de evidenciar os méritos da dupla francesa.

É uma obra que merece relevo, desde logo por focar um tema não muitas vezes retratado: a relação de um casal de meia-idade, onde a sua vida sexual é alvo de considerável atenção. "O Odor do Sangue", de Mario Martone, que estreou por cá no início do ano, era outro dos raros títulos recentes a incidir na mesma temática, ainda que as situações e o tom dos filmes sejam bem distintos.

Outro motivo que joga a favor desta obra é o par protagonista, composto por dois nomes fortes do cinema francês: Daniel Auteuil, um dos seus rostos mais reconhecíveis, e Sabine Azéma, popularizada sobretudo pelos seus papéis em filmes de Alain Resnais.
O duo interpreta um casal de meia-idade que, depois de dar por terminada a vida profissional, muda-se da cidade para o campo, encetando uma amizade crescente com o presidente da junta de uma localidade vizinha e com a sua esposa.

"Pintar ou Fazer Amor" olha com complexidade e inteligência para a relação de um casal unido há décadas, focando a rotina em que o seu dia-a-dia acaba por cair mas também as tentativas de alteração do status quo, quando uma rebeldia quase adolescente convida a uma procura de novas experiências. Novas e com tanto de excitante como de inquietante, uma vez que impõem um teste ao equilíbrio e consistência da relação.

A acção decorre num cenário campestre, plácido e aprazível, embora os realizadores façam, pouco a pouco, a desconstrução de lugares-comuns associados à tranquilidade da vida rural, contaminando as situações com uma tensão emocional que se vai insinuando sem que nem o espectador nem as personagens se apercebam muito disso, pelo menos até ao ponto em que o contexto já mudou drasticamente.

A atmosfera vai passando de serena a lânguida, os protagonistas deixam de reconhecer ou decifrar parte dos seus comportamentos e do ritmo lento da narrativa emana, subtilmente, uma aura enigmática (o que não impede, ainda assim, que a monotonia tome conta de algumas sequências) .

Apesar de "Pintar ou Fazer Amor" relatar episódios da vida conjugal - e, como o título indica, sexual -, rege-se sempre por uma sobriedade assinalável, mantendo-se longe de cenas "sórdidas" e "escaldantes", provando que muitas vezes a sugestão funciona melhor do que a revelação, sendo graficamente discreto.

Recusando de dramatismos telenovelescos e demonstrando maturidade na caracterização das personagens - o elenco é também exemplar na transmissão de realismo -, este é um bom filme sobre adultos e para adultos, algo que não vai chegando muito ao grande ecrã, e que por isso merece não passar despercebido.

E O VEREDICTO É: 3/5 - BOM

DIA MUNDIAL DA MÚSICA

2007-10-01T01:26:00.000+01:00

Os Cansei de Ser Sexy dizem mais ou menos o que acho (enfim, a parte em português já não subscrevo tanto). Bom dia e bons sons :)

From all the drugs the one i like more is music
From all the junks the one i need more is music
From all the boys the one I take home is music
From all the ladies, the one I kiss is music
Music is my boyfriend
Music is my girlfriend
Music is my dead end
Music's my imaginary friend
Music is my brother
Music is my great grand daughter
Music is my sister
Music is my favorite mistress

From all the shit the one I gotta buy is music
From all the jobs the one I choose is music
From all the drinks I get drunk of music
From all the bitches the one I wanna be is music
Music is my beach house
Music is my hometown
Music is my king size bed
Music's where I meet my friends
Music is my hot hot bath
Music is my hot hot sex
Music is my backrub
My music is where I'd like you to touch

Claro que sim, fui escoteira mirim
direto da escola não não ia cheirar cola
nem basquete, pebolim
o que eu gosto não é de graça
o que eu faço não é faaarsaaa
tem guitarra, bateria, computador saindo som
alguns dizem que é mais alto que um furacão

Perto dele eu podia sentir
saía de seu olho e chegava em mim
sentada do seu lado eu queria encostar
faria o Tigela até o sol raiar
debaixo do lençol ele gemia em ré bemol
fiquei tensa, mas tava tudo bem
tudo bem
ele é fodão mas eu sei que eu sou também
ele é fodão mas eu sei que eu sou também
ele é fodão mas eu sei que eu sou também
ele é fodão mas eu sei que eu sou também
ele é fodão mas eu sei que eu sou também

"Music Is My Hot Sex", Cansei de Ser Sexy

BLINKS & LINKS

2007-10-01T01:17:00.000+01:00

Obrigado aos responsáveis pelos blogs Conspirasons, Esperrinha, LOLST, Luís Soares, Mr Robinson, Penso Sonoro e Stolen Ideas por me blinkarem ;)

10 BLOGUES, 5 FILMES, 1 REALIZADOR

2007-09-30T13:04:00.000+01:00

As escolhas e classificações relativas a algumas das estreias de Setembro, organizadas pelo Knoxville - a rentrée cinematográfica não foi forte e nota-se. Votei em branco no melhor filme de Luc Besson uma vez que só vi três - "O Quinto Elemento", "Joana D'Arc" e "Artur e os Minimeus" - e não gostei de nenhum.

CRIAÇÃO INDIVIDUAL

2007-09-28T22:18:00.000+01:00

“We Can Create” é o primeiro álbum do britânico James Chapman, que assina o seu projecto musical como Maps, resultado de investidas laboratoriais de criação e manipulação de som num computador.
Aliando a sua voz de registo tranquilo a um intrincado novelo de texturas predominantemente electrónicas, desenha aqui um conjunto de canções que aliam experimentalismo a um demarcado apelo melódico, embora o segundo aspecto se sobreponha quase sempre ao primeiro.

Caracterizado por atmosferas doces, sedutoras e luminosas, “We Can Create” consegue um saudável equilíbrio entre minimalismo e grandiosidade, fruto de um design sonoro apurado e preciso, evidenciando que Chapman é um das boas revelações oriundas de domínios brit.
Os temas movem-se entre a dream pop de Maximillian Hecker, o travo shoegaze dos Chapterhouse e o corta-e-cola cenográfico de Four Tet, incorporando ainda uma carga contemplativa próxima das paisagens de Ulrich Schnauss ou da placidez cristalina dos Sigur Rós (cujo produtor, Valgeir Sigurdsson, colaborou no disco).

A construção de ambientes é envolvente e gera belos episódios oníricos como “Elouise” (um dos melhores do ano) ou “You Don’t Know Her Name”, mas percorrendo o álbum parte do encanto que emana dos momentos iniciais acaba por se perder, já que “We Can Create” é mais bonito do que arriscado.

Mesmo não tendo temas fracos, ganharia se apostasse num maior contraste de camadas, acentuando a sujidade das paredes de som que se entrecruzam e, assim, injectando maiores doses de surpresa a uma sucessão de canções demasiado confortáveis, que quando ouvidas de seguida arriscam-se a funcionar enquanto (muito) agradável som de fundo em vez de composições que justificam maior atenção.

Além desta homogeneidade excessiva, também ainda não se acentua aqui uma marca pessoal que distinga muito Maps de outros projectos comparáveis, o que não chega a comprometer, contudo, que “We Can Create” figure entre as boas surpresas de 2007, contendo algumas das pérolas pop mais uplifting e convidativas dos últimos tempos. Uma bela promessa a confirmar.

E O VEREDICTO É: 3,5/5 - BOM

Maps - "It Will Find You"

ESTREIA DA SEMANA: "FAY GRIM"

2007-09-27T11:10:00.000+01:00

Chega hoje a salas nacionais o mais recente filme de Hal Hartey, "Fay Grim", que regressa a algumas personagens do recomendável "Henry Fool", de 1997. Desta vez, no centro da acção não está Henry mas a sua ex-esposa, agora mãe solteira que vive com o seu filho adolescente num bairro de Nova Iorque e é envolvida num plano da CIA.
Na altura da ante-estreia por cá, durante o IndieLisboa deste ano, as reacções foram díspares, mas quem aceitar a imprevisibilidade do idiossincrático realizador ou apreciar a bela e talentosa actriz que é Parker Posey não deverá dar o tempo por perdido.

Outras estreias:

"1408", de Mikael Håfström (o realizador de "Cruel")
"Pintar ou Fazer Amor", de Arnaud Larrieu e Jean-Marie Larrieu
"Sem Reserva", de Scott Hicks
"Stardust - O Mistério da Estrela Cadente", de Matthew Vaughn
"Vigilante", de Scott Frank

Trailer de "Fay Grim"

OS VERDES ANOS

2007-09-26T20:52:00.000+01:00

Embora só agora se estreie com uma longa-metragem, Jorge Cramez tem já um considerável percurso ligado ao cinema, tendo sido assistente de realização de nomes como João César Monteiro, Fernando Lopes ou Jorge Silva Melo e conte com cinco curtas-metragens assinadas por si.
Esta experiência terá ajudado a que "O Capacete Dourado" exiba claros sinas de maturidade em alguns aspectos, ainda que como um todo este seja um filme que não escapa às fragilidades presentes em muitas primeiras obras.

A mais evidente regista-se no argumento, que se debruça sobre a relação entre dois adolescentes, Jota e Margarida. Ele, rebelde e impulsivo, passa os dias em viagens de mota, escape para um sistema de ensino no qual não se enquadra, não sentindo afinidades nem com os professores nem com os colegas do liceu. Ela, tímida e vulnerável, recém-saída de uma clínica, vive numa redoma edificada pelos pais, que a sufocam com recorrentes conselhos e perguntas. "O Capacete Dourado" segue o elo que vai crescendo entre estes dois outcasts, e que aos poucos vai alterando o seu quotidiano quando ambos encontram alguém em que se podem rever.

Este ponto de partida foi inspirado num caso real, em que um casal de namorados de Guimarães tentou suicidar-se (ainda que só ela o tenha conseguido), como forma de protesto ao antagonismo das suas famílias. Cramez alterou o local da acção, mantendo contudo o ambiente rural - o filme foi filmado em Vila Real - e aos poucos decidiu encaminhar a sua história noutro sentido, mudando sobretudo o desenlace.

O cinema recente tem sido fértil em complexos olhares sobre a adolescência, nomeadamente a facção indie, mas o curioso aqui é que "O Capacete Dourado" segue mais o modelo de exemplos clássicos - como "Fúria de Viver", de Nicholas Ray, uma influência assumida -, e se é interessante ver essa herança adaptada à realidade portuguesa, o realizador não apresenta aqui o golpe de asa que faça desta uma obra marcante.
Há cenas das quais emana uma tridimensionalidade no retrato dos adolescentes poucas vezes vista no cinema nacional, que nos últimos anos só terá paralelo em escassos títulos como "Os Mutantes", de Teresa Villaverde, ou "A Passagem da Noite", de Luís Filipe Rocha. Sequências como a da consola de jogos ou a de snooker são verosímeis, assim como os desempenhos do duo protagonista, Eduardo Frazão e Ana Moreira.

Infelizmente, a actriz adopta mais uma vez o registo que a tem distinguido e que impressionou nesse memorável filme de Villaverde ou no mais recente, "Transe". O seu desempenho não compromete, pelo contrário, mas seria preferível vê-la noutro tipo de personagens que não a de jovem angustiada e contemplativa.

Ainda assim, "O Capacete Dourado" vive mais do elenco jovem - ao qual se acrescenta Alexandre Pinto, também um "mutante" - do que do veterano, pois os actores consagrados pouco têm para fazer além de cameos desnecessários. É o caso de Rita Blanco, Alexandra Lencastre, Teresa Madruga e Maria João Luís, no papel de professoras entregues a diálogos algo forçados no início do filme. Rogério Samora, com mais tempo de antena, não pode fazer muito mais quando tem para interpretar o cliché do pai de família autoritário.

O desenvolvimento da narrativa também raramente se afasta dos lugares-comuns na abordagem aos conflitos geracionais e às dificuldades do crescimento, além de deixar demasiadas pontas soltas e contar com cenas despropositadas - caso daquela que foca uma pensativa mãe de Margarida ao pé da porta.

Até certo ponto, estes desequilíbrios são compensados pelo trabalho de realização de Cramez, capaz de sugerir cenas de um envolvente realismo poético, dominado por uma tensão longe de bucólica, seja pelos movimentos fluídos da câmara ou pela apelativa fotografia. E há episódios que mostram o filme que "O Capacete Dourado" poderia ter sido, como o da festa, vincada por uma forte componente sensorial a partir da eficaz interligação entre imagem e música. A banda-sonora é, de resto, um dos trunfos, cujo eclectismo inclui Echo & the Bunnymen, Strauss, Humanos e Vitalic.

Mais promissor do que convincente, "O Capacete Dourado" tem o mérito de apostar num retrato da adolescência poucas vezes visto no cinema nacional, e ainda que não seja plenamente conseguido deixa algumas provas de talento. Uma delas é o protagonista Eduardo Frazão, cuja segurança demonstrada nesta sua estreia como actor já justifica, por si só, a descoberta do filme.

E O VEREDICTO É: 2,5/5 - RAZOÁVEL

FUNDO DE CATÁLOGO (3): BOSS HOG

2007-09-24T23:58:00.000+01:00

Recuperação do último álbum dos Boss Hog, "Whiteout" (2000), através do single "Get It While You Wait". A canção - tal como o disco - aproximou-se mais da pop electrónica de uns Garbage e Hole (versão "Celebrity Skin") do que da vertente punk e garage dos registos anteriores, mas o carisma da vocalista e mentora do projecto, Cristina Martinez (a estonteante esposa de Jon Spencer), permaneceu inabalável. O álbum, não sendo genial, é daqueles que merecem ser ouvidos de tempos a tempos, mesmo que não esteja ao nível da muito sugestiva capa.

Boss Hog - "Get It While You Wait"

DIFERENTES COMO NÓS

2007-09-23T20:19:00.000+01:00

Balanço francamente positivo para a 11ª edição do Queer Lisboa, o Festival de Cinema Gay e Lésbico que este ano decorreu no São Jorge entre 14 e 22 de Setembro. Boa organização a suportar uma programação consistente, com propostas interessantes nas longas e curtas-metragens (como a da foto acima, a óptima "Alguma Coisa Assim, do brasileiro Esmir Filho, premiada em Cannes), documentários e a novidade da secção musical, com videoclips comentados por João Lopes e Nuno Galopim.
Talvez por isso esta edição tenha registado mais de 6 mil espectadores, sublinhando a inteligência de um cartaz longe dos estereótipos de uma iconografia sexual ostensiva, maquilhada com plumas e lantejoulas. Sendo a diferença um dos temas clássicos do cinema, é estranho este festival continuar a ser alvo de esquecimento por parte de alguma imprensa e blogosfera, até porque grande parte dos filmes deste ano nem destoariam na programação de um IndieLisboa.

Posto isto, tive pena que o prémio de Melhor Longa Metragem tenha ido para o filme que menos gostei, o fraco "Solange Du Hier Bist", de Stefan Westerwelle, sobretudo quando o brilhante "The Bubble", de Eytan Fox, era um dos concorrentes. Enfim, não se pode concordar com tudo.

COMEÇAR DE NOVO

2007-09-22T02:43:00.000+01:00

"Un Jour d'Été" é a primeira longa-metragem do francês Franck Guérin, que aqui se centra na reacção de um adolescente à morte do melhor amigo, ocorrida devido à queda de uma baliza num jogo de futebol na pequena localidade rural em que vivem. O filme segue a angústia que toma conta do protagonista após a situação, assim como a forma como a tenta colmatar aproximando-se da mãe do amigo, da qual se torna confidente, ajudando-a a suportar uma perda abrupta.

Guérin constrói aqui um drama sóbrio, contemplativo e minimalista, que aos poucos vai gerando uma considerável carga dramática que vive muito da gestão de olhares e silêncios. Há cenas magnéticas nos momentos de introspecção do protagonista, e o realizador sabe criar uma aliança hipnótica entre som e imagem, para a qual contribui uma banda-sonora instrumental discreta, mas envolvente, de Sebastien Schuller.

Marcado por cenas de beleza assinalável, "Un Jour d'Été" nem sempre conta com uma narrativa tão conseguida, sobretudo na segunda metade, onde Guérin se perde em indecisões quanto ao rumo das suas personagens. Ao tentar funcionar simultaneamente como retrato da adolescência, da perda de alguém próximo, dos constrangimentos das pequenas comunidades ou das fronteiras entre a amizade e o amor, o filme acaba por se tornar demasiado disperso, já que não chega a aprofundar todos.

De qualquer forma, esta é ainda uma obra auspiciosa, e mesmo que o desenlace deixe algumas pontas soltas no argumento "Un Jour d'Été" apresenta um olhar complexo sobre as arbitrariedades da vida, revelando um evidente apuro estético e uma direcção de actores que reforça o realismo das situações. Já é mais do que suficiente para justificar a sua descoberta.

E O VEREDICTO É: 3/5 - BOM

Filme apresentado na 11ª edição do Queer Lisboa, que termina hoje no cinema São Jorge

UMA HISTÓRIA NO FIM DO MUNDO

2007-09-21T10:13:00.000+01:00

Lucas é um rapaz de 15 anos que vive numa pequena localidade da Patagónia, protagonista de uma rotina sem grandes surpresas nem motivações, incapaz de dar resposta ao turbilhão emocional (e hormonal) que o vai dominando durante a adolescência. Com um ambiente familiar conturbado, marcado pelas constantes discussões e reconciliações entre os pais, e com poucas actividades que o entusiasmem, passa a maior parte do tempo em passeios onde ouve música nos headphones e observa episódios do quotidiano.
Entre os analgésicos contra o aborrecimento encontra-se a cumplicidade que vai consolidando com Nacho, o seu carismático melhor amigo, e Andrea, uma tímida vizinha, que o intrigam e fascinam, embora de formas diferentes.

"Glue", estreia na realização do argentino Alexis Dos Santos, segue o percurso deste três amigos, investindo quer nos momentos em que estão juntos, mostrando os seus processos de socialização, quer naqueles em que estão sozinhos, geralmente os mais melancólicos e onde mais se notam as dúvidas e incertezas resultantes de um processo de mudança física e emocional.

Alicerçado numa narrativa que cruza situações do dia-a-dia com outras algo oníricas, comandadas pela narração em off de algumas personagens, o filme é uma boa montra dos dilemas e inquietações que atingem muitos adolescentes, tanto dos que habitam uma cidadezinha no meio de nenhures, como as figuras que foca, como quaisquer outros por todo o lado.

Alexis Dos Santos evidencia aqui traços presentes noutras obras do cinema sul-americano recente que se concentram no mesmo universo, como o emblemático "E a Tua Mãe Também", de Alfonso Cuarón, ou "Temporada de Patos", de Fernando Eimbcke, já que à semelhança destes aposta numa realização de contornos realistas, recorrento à cada vez mais usual câmara-à-mão, a actores não profissionais e a uma atmosfera intimista e lânguida, que se conjuga bem com a alternância entre os estados de inércia e curiosidade dos protagonistas.

Exibe, também, algumas fragilidades naturais numa primeira obra, seja porque contém demasiada palha narrativa, perdendo-se em deambulações de escasso interesse (como a viagem de Lucas com a família, uma das maiores quebras de ritmo), porque por vezes se aproxima tanto das personagens que adopta a ingenuidade destas (caso da narração de Andrea, que confunde sensibilidade com pieguice) ou ainda pelos tremeliques algo forçados da realização, que nem sempre são sinónimo de reforço da verosimilhança das situações.

Mesmo assim o balanço é positivo, pois se há sequências que abusam da monotonia há outras que são pequenos achados de energia e espontaneidade, comprováveis na cena em que Lucas e Nacho brincam com o macaco de peluche, num contagiante momento de antologia. O elenco também salva alguns desequilíbrios, sobretudo o actor principal, Nahuel Perez Biscayart, expressivo como poucos, e que leva a crer que a sua personagem tem muito dele próprio.
Salientam-se ainda alguns momentos vincados por uma hipnótica energia visual, nos tons alaranjados de Verão ao fim da tarde em que parte da acção se desenrola, sedimentando uma considerável carga sensorial que se reflecte também na banda-sonora, ancorada em canções dos Violent Femmes cujas letras gritam o que o protagonista guarda para si.

Obra modesta e simples, "Glue" não tenta ser uma referência nas histórias coming of age mas tem suficientes momentos refrescantes para merecer atenção, traçando um olhar subtil sobre a amizade, a solidão, o crescimento, os códigos sociais ou a sexualidade. Um bom começo, como já vem sendo habitual no cada vez mais fértil cinema sul-americano.

E O VEREDICTO É: 3/5 - BOM

Filme apresentado na 11ª edição do Queer Lisboa, a decorrer até 22 de Setembro no cinema São Jorge

ESTREIA DA SEMANA: "ULTIMATO"

2007-09-20T21:00:00.000+01:00

Depois de "Identidade Desconhecida" e "Supremacia", Matt Damon volta a ser Jason Bourne em "Ultimato" (The Bourne Ultimatum), a terceira parte da saga do espião que tenta descobrir o seu passado.
Paul Greengrass ("Voo 93"), realizador do filme antecessor, assume novamente o cargo, mantendo a sua imagem de marca de planos curtos e ritmo frenético que serve competentemente os propósitos desta história. O resultado, longe de essencial, é um blockbuster que entretém com algumas sequências de facto impressionantes, mesmo que ainda não seja desta que a saga se torna memorável.

Outras estreias:

"Mandela: Meu Prisioneiro, Meu Amigo", de Bille August
"Morte num Funeral", de Frank Oz
"O Capacete Dourado", de Jorge Cramez
"Super Baldas", de Greg Mottola

Trailer de "Ultimato"

TRADIÇÃO É TRADIÇÃO (?)

2007-09-20T02:53:00.000+01:00

Recentemente, filmes como "O Paraíso, Agora!", de Hany Abu-Assad, "Munique", de Steven Spielberg, ou "Close to Home", de Vidi Bilu e Dalia Hager, têm proporcionado acutilantes olhares sobre o conflito israelo-palestiniano, contando boas histórias sem que as suas personagens sejam reduzidas a bandeiras de um qualquer posicionamento político.
"The Bubble" (Buah, Ha-), do israelita Eytan Fox, é mais um entusiasmante exemplo a juntar a estes títulos recomendáveis, incidindo no relacionamento entre dois rapazes de nacionalidades diferentes, e neste caso antagónicas.

Noam, um pacato empregado de uma loja de discos de Telavive, conhece o palestiniano Ashraf durante a sua última missão como soldado dos checkpoints fronteiriços, acabando por colaborar com este no auxílio a uma mulher que entra em trabalho de parto. Após esta situação fugaz, voltam a encontrar-se quando Ashraf vai a casa de Noam devolver-lhe documentos perdidos, e a partir daí iniciam uma relação que, apesar da crescente cumplicidade, não consegue ficar incólume face à conjuntura política e cultural que a envolve.

Se Ashraf vive pressionado pelo peso das tradições e obrigações familiares, assim como pelo da ocupação israelita, Noam tem um dia-a-dia bem distinto em Telavive, podendo optar por um estilo de vida mais liberal e cosmopolita, situação partilhada pelo seu grupo de amigos (daí o título do filme, que se refere à "bolha" protectora em que vivem os habitantes da capital israelita, praticamente imunes aos conflitos que a cercam).

Contudo, o facto de se viver um quotidiano relativamente seguro não implica que se seja a favor dos confrontos nos arredores da região, o que leva a que Noam e os seus dois colegas de apartamento - a persistente Lulu, que trabalha numa loja de perfumes, e Yali, empregado de um café in - se manifestem contra a ocupação da Palestina.
Entre entregas de folhetos ou raves na praia, os seus protestos não geram muita adesão, e a consideravel ingenuidade com que os implementam poderá criar reservas nos espectadores mais cínicos, à semelhança do que ocorreu com "Os Edukadores", de Hans Weingartner, onde outro grupo de jovens se revoltava contra o estado das coisas. Essa ingenuidade tende, no entanto, a dissipar-se à medida que os protagonistas vão sentindo na pele os efeitos das ameaças que criticam, sobretudo quando Ashraf se depara com uma situação sufocante da qual não sabe como escapar.

Ao longo de duas horas, Eytan Fox vai edificando uma narrativa que sabe aliar tensão dramática a um irresistível sentido de humor, recorrendo a ambas para oferecer um retrato absorvente e multifacetado da juventude israelita e palestiniana. Incialmente ligeiro, o filme ganha um tom mais denso e amargurado à medida que o par central sofre os entraves do fosso político que os afasta, e onde as utopias em que acreditaram durante anos não chegam para solucionar o cru e claustrofóbico ataque de realidade de que são alvo.

Mas "The Bubble" não vive apenas da abordagem ao conflito israelo-árabe, aliás o seu trunfo é ser capaz de o integrar numa história sobre os momentos altos e as dificuldades das relações humanas, independentemente de sexos ou etnias. Por isso, entre momentos desencantados há outros que são autênticas e contagiantes odes ao amor e à amizade, que o filme tem a capacidade de apresentar com uma invejável sensibilidade e verosimilhança.

O mérito divide-se pelo argumento bem carpinteirado, capaz de enveredar por atmosferas díspares sem perder o tom, pelo excelente elenco de jovens actores, todos credíveis e vibrantes nos seus papéis, ou pela realização fluída de Fox, atenta aos pormenores. A importância da cultura pop na construção das personagens é outro elemento-chave que acentua o realismo deste retrato, devidamente traduzido numa banda-sonora ecléctica que inclui canções dos Nada Surf, Le Tigre, Keren Ann, Belle & Sebastian ou Ivry Lider (cantautor israelita que aqui faz covers de temas de George Gershwin ou Tim Buckley).
Coeso e convincente em todos os aspectos, este é um dos grandes filmes do ano, e deixa forte curiosidade em relação à obra anterior de Eytan Fox, que antes desta assinou já três longas-metragens. Se estiverem ao mesmo nível, não são menos do que indispensáveis.

E O VEREDICTO É: 4,5/5 - MUITO BOM

Filme apresentado na 11ª edição do festival Queer Lisboa, a decorrer até 22 de Setembro no cinema São Jorge

BARALHAR E VOLTAR A DAR

2007-09-18T23:58:00.000+01:00

Já estiveram por cá várias vezes, mas ainda não parecem prejudicados pelas visitas regulares, pois mesmo assim os britânicos Massive Attack fizeram com que o Coliseu de Lisboa tenha concentrado ontem uns quantos milhares, que preencheram quase todos os cantos da sala.

Ainda no ano passado actuaram no festival Hype@Tejo, e apesar de nem aí nem na noite de ontem terem apresentado inéditos - nada se conheceu, portanto, de "Weather Underground", o novo álbum com edição prevista para este ano - também não deixaram de oferecer um espectáculo seguro e satisfatório.

O grupo de Bristol, agora um duo reduzido a 3D (Robert Del Naja) e Daddy G - com colaborações ocasionais -, não exibiu as doses de surpresa e brilhantismo que o tornaram numa das referências máximas da música pop (em sentido muito lato) da década de 90, já que o concerto contou quase sempre com grandes canções mas servidas sem grande garra, evidenciando uma postura algo acomodada.

O alinhamento não se desviou muito dos temas de "Collected", o best of editado no ano passado, e dos quatro álbuns de originais o mais explorado foi "Mezzanine", a notável obra-prima com que o grupo se reinventou em 1998, adicionando a visceralidade das guitarras à matriz sonora gerada no marcante "Blue Lines", de 1991.
Ironicamente, foi a presença destas que levou a que o espectáculo de ontem nem sempre tivesse o fulgor que se esperava, uma vez que, ao as adicionar a canções que não recorriam a elas originalmente, a banda perdeu-se em alguns devaneios cansativos e redundantes, acrescentando rudeza e distorção a temas que deveriam ter mantido a placidez electrónica (como em "Future Proof" ou no final de "Safe From Harm").

De "Mezzanine" o concerto resgatou também uma das suas vocalistas, Liz Fraser, a musa que deu voz aos Cocteau Twins e que ontem interpretou os dois temas que assinou com os Massive Attack: "Teardrop" e "Group Four". A primeira é uma das mais belas e emblemáticas canções da banda, embora ao vivo não tenha despertado grande entusiasmo, sobretudo pela fraca forma vocal de Fraser, ali muito longe da magia do original. A sua presença resultou bem melhor no duo com 3D em "Group Four", tema que fechou a noite e um dos poucos que se aproximou da excelência, principalmente na sequência instrumental em crescendo com desconcertantes explosões de bateria e guitarra (que, aí sim, fez sentido).

Os últimos vinte minutos foram, de resto, os melhores, e incluíram ainda o inebriante "Inertia Creeps", onde os sons de Istambul se cruzaram com o trip-hop, e o indispensável "Unfinished Simpathy", numa versão ligeiramente mais soul induzida pela óptima interpretação de Deborah Miller (também em alta em "Safe From Harm").

Outro dos convidados da noite foi o já habitual Horace Andy, que participou em todos os discos do grupo, sendo quase sempre solicitado para temas condizentes com as suas raízes reggae e dub. Foi o caso de "Hymn of the Big Wheel" ou "Angel", dois dos momentos mais aplaudidos, e é pena que o não menos obrigatório "Man Next Door" não tenha sido contemplado no alinhamento.

Embora tenha contado com demasiados episódios mornos, o espectáculo de ontem provou que os Massive Attack são, ainda assim, capazes de oferecer uma actuação acima da média, para a qual contribuiu a elaborada e sedutora vertente cenográfica, com um sofisticado trabalho de iluminação (cujos tons se moldaram às atmosferas de cada canção) e curiosos placards electrónicos (que divulgaram várias informações sobre Lisboa, antes da entrada do grupo em palco, ou sobre a guerra do Iraque, já a meio do concerto, dando continuidade à subtil atitude política que sempre emanou do projecto). Poderão não exercer o fascínio de outros tempos, mas se em vez de geniais se apresentarem, pelo menos, sempre competentes, valerá a pena voltar a acolhê-los por cá.

E O VEREDICTO É: 3,5/5 - BOM

UMA CASA, SEIS VIDAS

2007-09-17T19:47:00.000+01:00

Quando “A Casa de Alice” se aproxima do final, há uma cena em que uma colega da protagonista lhe diz que o seu caso extra-conjugal parece “coisa de novela”. E infelizmente, o espectador será tentado a concordar, já que no último terço o argumento do filme, até aí subtil, coerente e interessante, começa a perder o fôlego e tropeça em obstáculos que traem o equilíbrio da narrativa.

É pena, tendo em conta que este retrato do quotidiano de uma família da classe média-baixa de São Paulo arranca com uma vibração emocional assinalável, conseguindo definir ambientes e personagens em sequências de onde emana um impressionante realismo, a evidenciar a experiência no cinema documental do realizador Chico Teixeira, que aqui se estreia nas longas-metragens.

Alice, uma manicure de quarenta anos, é a figura que vai impedindo a desagregação familiar, sendo paciente com os três filhos, todos rapazes; cuidadosa com a mãe, ameaçada por ocasionais ataques de cegueira; e tolerante q.b. com a recorrente infidelidade do marido, um taxista que raramente está em casa. Ou pelo menos assim é até ao dia em que a pressão a afoga num desespero que pede uma alternativa minimamente aceitável, no caso o reencontro com um ex-namorado agora casado com a sua melhor cliente.

“A Casa de Alice” cativa pela atmosfera de tensão camuflada que vai implementando desde as primeiras cenas, intrigando à medida que os segredos dos elementos da família vão sendo descobertos mas deixando um travo de esperança na atitude obstinada e altruísta da protagonista. No entanto, quando Alice falha, o mesmo acontece ao filme, que no último terço se vai desfazendo e anulando qualquer tentativa de identificação com as personagens – exceptuando a da avó, vítima das circunstâncias -, sobretudo com a principal, que fica irreconhecível numa mudança de direcção pouco verosímil.

Prejudicado por um desenlace excessivamente pessimista e mal explorado, “A Casa de Alice” vale contudo pelas fortes qualidades presentes na direcção de actores (Carla Ribas no papel principal é especialmente brilhante), cuja espontaneidade reforça a carga verista de uma realização com tempo para mostrar a tensão que ressalta dos frequentes close-ups. O mesmo pode dizer-se dos diálogos, quase todos improvisados, que oferecem uma segura mistura de humor e crueza, e que só deixam a impressão de que Chico Teixeira é capaz de muito melhor, desde que no próximo filme se apoie num argumento consistente até ao final.

E O VEREDICTO É: 2,5/5 - RAZOÁVEL

Filme apresentado na 11ª edição do festival Queer Lisboa, a decorrer até 22 de Setembro no cinema São Jorge

FUNDO DE CATÁLOGO (2): LEFTFIELD

2007-09-16T15:03:00.000+01:00

Flashback até 1995 para recordar um dos melhores discos da década passada, "Leftism", o primeiro dos britânicos Paul Daley e Neil Barnes, mais conhecidos como Leftfield. Misto de techno, dub, house e ambient, ajudou a definir o som de uma era e a levar a música de dança a novos públicos, algo menos conseguido no desapontante sucessor, "Rhythm and Stealth" (1999).
Canções como "Release the Pressure", "Black Flute" ou "Original" tornaram-se marcos e a presença convidados especiais, como Toni Halliday (dos Curve), só ajudou. Outro nome de peso que participou no álbum foi o ex-vocalista dos Sex Pistols, John Lydon, neste clássico chamado "Open Up":

Leftfield - "Open Up"

LGBT NO GRANDE ECRÃ

2007-09-14T02:25:00.000+01:00

Os festivais de Verão podem ter acabado, mas não implica que não haja outros a começar na rentrée, nomeadamente no que ao cinema diz respeito. Na semana passada foi o MOTELx, nesta é o Queer Lisboa, o Festival de Cinema Gay e Lésbico, que inicia hoje a sua 11ª edição.
Desta vez as sessões não decorrem no cinema Quarteto mas no São Jorge, cujas três salas irão acolher uma programação que se divide em curtas e longas-metragens, documentários, videoclips (na nova secção Queer Pop) ou debates.
A sessão de abertura é esta noite, pelas 21h30m, e contempla o filme "A Casa de Alice", do brasileiro Chico Teixeira, sendo seguida pela festa de inauguração, também no São Jorge, com DJ set de Nuno Galopim.

Até dia 22, ao longo da tarde e à noite, há muito para ver por lá, e está tudo bem apresentado no site e blog do festival. Como aperitivo fica aqui "Michael", dos Franz Ferdinand, um dos videoclips integrados na secção Queer Pop:

ESTREIA DA SEMANA: "MALA NOCHE"

2007-09-13T15:00:00.000+01:00

Antes de "Disposta a Tudo", "Elephant" ou "Last Days - Os Últimos Dias" houve, entre outros, "Mala Noche", a primeira obra de Gus Van Sant, datada de 1985, que agora pode ser vista nas salas nacionais.
Rodado a preto e branco, o filme baseia-se num livro de Walt Curtis e foca a relação de um jovem lojista norte-americano com um imigrante mexicano ilegal, onde o segundo não cede às investidas amorosas do primeiro. Expondo já o carácter experimental que o realizador desenvolveria em parte da sua filmografia, exibe desequilíbrios naturais num trabalho de estreia mas, ainda assim, merece ser (re)descoberto.

Outras estreias:

"2 Dias em Paris", de Julie Delpy
"Duelo Imortal: A Animação", de Yoshiaki Kawajiri
"Duelo Imortal: A Origem", de Brett Leonard
"Em Nossa Casa", de Francesca Comencini
"O Gang do Pi", de Howard E. Baker e John Fox
"O Sabor da Melancia", de Tsai Ming-liang + "China China", de João Pedro Rodrigues
"Um Coração Poderoso", de Michael Winterbottom

Trailer de "Mala Noche"

ACORDAR PARA A VIDA

2007-09-12T17:55:00.000+01:00

Conhecido sobretudo pela sua carreira como actor, Steve Buscemi tem desenvolvido também um percurso como realizador, contando já com três filmes assinados por si: "Trees Lounge" (1996), "Animal Factory" (2000) e "Lonesome Jim" (2005).
Este último é um pequeno drama ancorado no regresso do protagonista à casa dos pais, no interior dos EUA, após ter vivido algum tempo em Nova Iorque, cidade onde trabalhou... a passear cães. A ambição de Jim era, no entanto, bem distinta, uma vez que sempre desejou tornar-se escritor, mas os repetidos falhanços para que tal se concretize levaram-no a mergulhar num estado onde a depressão se mistura com a apatia, destruíndo praticamente quaisquer traços de esperança.

A situação fica ainda pior quando o seu desespero encoraja o seu irmão a tentar suicidar-se, obrigando-o a substituí-lo no trabalho, na fábrica dos pais, e como treinador de uma equipa de basquetebol infantil feminina.
Praticamente sem forma de escapar a um crescente estatuto de loser, Jim encontra na discreta Anika alguém com quem partilha momentos que lhe oferecem algum optimismo, numa cumplicidade que nasce num one night stand e que se vai intensificando.

"Lonesome Jim", tanto pelos temas como pela componente formal, não esconde ser um típico exemplo do cinema independente norte-americano, investindo em áreas como o isolamento, a entrada na idade adulta ou a disfunção familiar e sendo um filme de orçamento modesto e realização sem grandes sinais de ruptura ou originalidade.
A novidade não mora aqui, já que o que Buscemi oferece foi feito por outros e muitas vezes melhor - "Garden State", de Zach Braff, ou "A Estação", de Thomas McCarthy, são apenas dois parentes próximos -, embora também seja verdade que essa simplicidade joga a seu favor e não o impede de cumprir os seus objectivos.

Buscemi gera aqui um drama árido, desencantado e lacónico, ainda que felizmente recuse cair no abismo emocional, temperando um quotidiano pouco auspicioso com salutares erupções de humor seco, mas eficaz. Sem estes momentos, a atmosfera do filme podia tornar-se irrespirável, e se nas sequências iniciais "Lonesome Jim" nem é particularmente cativante, aos poucos vai envolvendo e revelando a sua considerável subtileza na análise dos comportamentos, conquistando através de alguns diálogos inspirados e de uma carga dramática que ganha maior consistência na segunda metade.

Casey Affleck compõe um protagonista convincente, numa eficaz conjugação de indiferença, desânimo e vulnerabilidade expressa num olhar com tanto de magoado como de inocente. Liv Tyler tem também um bom desempenho, conseguindo irradiar a aura luminosa que a sua personagem requer, e Mary Kay Place é uma credível mãe extremosa.

"Lonesome Jim" não faz de Buscemi um realizador visionário ou imprescindível mas é um palpável e genuíno retrato do crescimento e das questões que afectam muitos jovens adultos, e a ressonância emocional que despoleta (embora a custo) compensa largamente a diminuta carga inventiva. Uma boa proposta indie que merece, pelo menos, um visionamento.

E O VEREDICTO É: 3/5 - BOM

FUNDO DE CATÁLOGO: LUSH

2007-09-11T01:18:00.000+01:00

Já que o shoegaze está cada vez mais na ordem do dia, devidamente recuperado por nomes como Maps, Film School, Asobi Seksu ou Relay, nada como voltar atrás uns anos e recordar uma das bandas que ajudou a implementar o género.
Depois das muralhas de distorção de "Spooky" (1992) e "Split" (1994), os Lush adoptaram, no seu terceiro e último disco, "Lovelife" (1996), um som consideravelmente mais directo, menos My Bloody Valentine e mais Elastica, sem no entanto se descaracterizarem. Foi com esse álbum que os conheci, por isso aqui fica "Ladykillers", um dos singles daí retirados e dos mais bem sucedidos do marcante quarteto londrino.

Lush - "Ladykillers"